CCCA Canadian Art Database

Additional Status: First Nations

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Heap of Birds

First Name: Heap of Birds

Last Name: (Edgar Hachivi)

Biography (English): Edgar Heap of Birds has studied at the University of Kansas, Lawrence (BFA, 1976), undertaken graduate studies at the Royal College of Art, London (1977) and attended the Tyler School of Art, Philadelphia (MFA, 1979). He was named USA Ford Fellow in 2012 and Distinguished Alumni, University of Kansas, in 2014. Honorary Doctor of Fine Arts and Letters degrees have been awarded by the Massachusetts College of Art and Design, Boston (2008), Emily Carr University of Art and Design, Vancouver, Canada (2017), and California Institute of the Arts, Valencia, (2018). In 2020, Heap of Birds was elected to the American Academy of Arts and Sciences as a member of the Humanities & Arts class, with a specialty in Visual Arts. Heap of Birds has served as visiting lecturer in London, England; Western Samoa; Chiang Mai and Bangkok, Thailand; Johannesburg, South Africa; Barcelona, Spain; Belfast, Northern Ireland; Norrkoping, Sweden; Hararre, Zimbabwe; Verona, Italy; Adelaide, Australia; Rio de Janeiro, Brazil; Singapore; and Delhi and Vijayawada, India. He has taught at Yale University, Rhode Island School of Design and at the University of Oklahoma. He is retired from teaching at the University of Oklahoma after 30 years of service and is now Professor Emeritus in the Native American Studies Department. Professor Heap of Birds’ seminars explored contemporary Native American art issues within the visual arts, film, and museums on local, national, and international levels. The artists’ works are in the collections of the Museum of Modern Art, New York; the Whitney Museum of American Art, New York; and the Walker Art Center, Minneapolis, MN, among many others.

Biography (French): Edgar Heap of Birds a étudié à l'Université du Kansas à Lawrence (BFA, 1976), a entrepris des études supérieures au Royal College of Art de Londres (1977) et a fréquenté la Tyler School of Art de Philadelphie (MFA, 1979). Il a été nommé USA Ford Fellow en 2012 et Distinguished Alumni de l'Université du Kansas en 2014. Des doctorats honorifiques en beaux-arts et en lettres ont été décernés par le Massachusetts College of Art and Design de Boston (2008), l'Emily Carr University of Art et Design, Vancouver, Canada (2017) et California Institute of the Arts, Valence (2018). En 2020, Heap of Birds a été élu à l'Académie américaine des arts et des sciences en tant que membre de la classe Humanities & Arts, avec une spécialité en arts visuels. Heap of Birds a été conférencier invité à Londres, en Angleterre ; Samoa occidentales ; Chiang Mai et Bangkok, Thaïlande ; Johannesbourg, Afrique du Sud ; Barcelone, Espagne; Belfast, Irlande du Nord ; Norrköping, Suède ; Hararre, Zimbabwe ; Vérone, Italie ; Adélaïde, Australie ; Rio de Janeiro, Brésil ; Singapour; et Delhi et Vijayawada, Inde. Il a enseigné à l'Université de Yale, à la Rhode Island School of Design et à l'Université d'Oklahoma. Il a pris sa retraite de l'enseignement à l'Université d'Oklahoma après 30 ans de service et est maintenant professeur émérite au département d'études amérindiennes. Les séminaires du professeur Heap of Birds ont exploré les questions liées à l’art amérindien contemporain dans les arts visuels, le cinéma et les musées aux niveaux local, national et international. Les œuvres des artistes font partie des collections du Museum of Modern Art de New York ; le Whitney Museum of American Art, New York ; et le Walker Art Center, Minneapolis, MN, entre autres.

Website Link: http://eheapofbirds.com//

Birth Year: 1954

Medium: commission critique drawing installation painting printmaking public art sculpture

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Barry Ace

First Name: Barry

Last Name: Ace

Biography (English): Barry Ace is a practicing multidisciplinary artist currently living in Ottawa. He is a debendaagzijig (citizen) of M’Chigeeng First Nation, Odawa Mnis (Manitoulin Island), Ontario, Canada. Ace’s work responds to the impact of the digital age and how it exponentially transforms and infuses Anishinaabeg culture (and other global cultures) with new technologies and new ways of communicating. His work attempts to harness and bridge the precipice between historical and contemporary knowledge, art, and power, while maintaining a distinct Anishinaabeg aesthetic connecting generations. “My visual art practice is a response to the impact of the digital age and how it exponentially transforms and infuses Anishinaabeg culture with new technologies and new ways of communicating. My work is known for its signature style of transformation and recontextualization of traditional objects drawn from historic Anishinaabeg material culture, such as textiles. I deliberately push the boundaries of cultural art practices such as beadwork by transforming antiquated electronic e-waste, primarily capacitors, resistors, and light-emitting diodes to create new and complex floral motifs that mirror traditional Anishinaabeg style glass beadwork. Through an up-cycling of e-waste, I carefully yet respectfully negotiate the tenuous line of cultural continuity and strive to maintain a distinct Anishinaabeg aesthetic as an intentional response to the advance of technological colonization of the digital age.”

Biography (French): Barry Ace est un artiste photographique et multimédia et conservateur anishinaabe (Odawa). Le travail d'Ace comprend des peintures en techniques mixtes et des œuvres textiles et sculpturales en techniques mixtes qui combinent des textiles et des perles traditionnels Anishinaabe avec des composants électriques trouvés. Ace a un vif intérêt pour la combinaison des technologies, de l'esthétique et des techniques traditionnelles et contemporaines dans ses œuvres. Barry Ace a d'abord étudié pour devenir électricien au Cambrian College, mais s'est tourné vers les arts graphiques. Les connaissances de base d'Ace en électricité ont cependant joué plus tard un rôle dans ses œuvres en techniques mixtes comprenant des composants électriques. Ace a enseigné à l'Université de Sudbury dans le cadre du programme d'études autochtones, ainsi qu'à l'Université Laurentienne et à l'Université Carleton en études canadiennes. En 2015, il a donné un atelier à la Galerie d'art d'Ottawa où les participants ont réalisé une carte collective en techniques mixtes de la ville d'Ottawa. Il a également dirigé un atelier pour les enfants d'une école d'immersion ojibwe à l'automne 2016, où les œuvres d'art produites par les enfants ont ensuite été exposées à la Fondation culturelle ojibwe. Ace participe à la résidence d'artiste invité Nigig organisée par le programme de culture visuelle autochtone de l'Université OCAD à l'hiver 2018. Une grande partie du travail de Barry Ace utilise des matériaux trouvés comme des condensateurs, des résistances et des diodes électroluminescentes, ainsi que des perles florales traditionnelles de style Grands Lacs, pour commenter « l'endurance culturelle non découragée par des siècles d'oppression coloniale et de changement social rapide ». Dans toutes ses créations, l’artiste souligne l’importance d’affirmer son identité et sa culture et de s’approprier l’imagerie et la représentation autochtones. Le travail d'Ace explore la relation entre les techniques et traditions historiques et les matériaux et sujets contemporains. En faisant référence à l'histoire de l'art textile anishinaabe dans des œuvres qui utilisent des matériaux contemporains produits en masse, entre autres thèmes, Ace étudie le dialogue entre les cultures autochtones et européennes, tout comme le font ses collègues artistes Rosalie Favell et Jeff Thomas. Un exemple en est l’histoire de l’utilisation de perles de verre provenant de commerçants européens dans le perlage autochtone à laquelle Ace fait référence dans ses pièces textiles. Certaines œuvres d'Ace explorent l'esthétique particulière de la technologie et de la culture populaire dans l'art autochtone, quelque chose que sa collègue artiste Rosalie Favell intègre également dans son travail.

Social Media Link: https://www.youtube.com/barryacearts

Website Link: https://www.barryacearts.com/

Birth Year: 1958

Medium: ceramics fibre installation mixed media painting performance public art textiles

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Ted Baker

First Name: Ted

Last Name: Baker

Biography (English): Ted Baker was born in 1966 and grew up on the North Shore near Capilano River. He is a member of the Squamish Nation and started carving when he was 14 years old. His first teacher was his father Albert Baker and his brother Fred Baker Jr. Ted family mainly carved masks, smaller totem poles, rattles, and figurines. He likes to use the wood of cedar, red and yellow cedar. He is a member of the Ceremonial Dance Group, which performs just for the members of the band. They keep these dances close to their heart and hold them sacred. In these dances, Ted represents the Sasquatch.

Biography (French): Ted Baker est né en 1966 et a grandi sur la Côte-Nord, près de la rivière Capilano. Il est membre de la nation Squamish et a commencé à sculpter à l'âge de 14 ans. Son premier professeur fut son père Albert Baker et son frère Fred Baker Jr. La famille Ted sculptait principalement des masques, des totems plus petits, des hochets et des figurines. Il aime utiliser le bois de cèdre, de cèdre rouge et jaune. Il est membre du Ceremonial Dance Group, qui se produit uniquement pour les membres du groupe. Ils gardent ces danses près de leur cœur et les tiennent pour sacrées. Dans ces danses, Ted représente le Sasquatch.

Birth Year: 1966

Medium: sculpture

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Carl Beam

First Name: Carl

Last Name: Beam

Biography (English): Among the rapidly growing number of important First Nations artists in Canada, Carl Beam RCA was a strong, independent character and by that virtue he became a leader. His 1985 painting, The North American Iceberg (titled in ironic opposition to the Art Gallery of Ontario’s landmark exhibition of the same year, The European Iceberg) was the first work by an artist of native ancestry purchased by the National Gallery of Canada as contemporary art. He mainly eschewed traditional style and imagery and helped himself to the world through its overflowing inventory of photo-documents, inserting the personal and the symbolic alongside the iconic in remarkably lucid and powerful combinations that partially disguised the artist’s own motives and intentions to force the viewer’s active involvement in their interpretation.

Biography (French): Parmi le nombre rapidement croissant d'artistes importants des Premières Nations au Canada, Beam était un personnage fort et indépendant et, grâce à cela, il est devenu un leader. Son tableau de 1985, L'iceberg nord-américain (intitulé en opposition ironique à l'exposition phare de la Art Gallery of Ontario de la même année, L'iceberg européen) a été la première œuvre d'un artiste d'origine autochtone achetée par le Musée des beaux-arts du Canada en tant qu'art contemporain. . Il a principalement évité le style et l'imagerie traditionnels et s'est servi du monde grâce à son inventaire débordant de documents photographiques, insérant le personnel et le symbolique aux côtés de l'iconique dans des combinaisons remarquablement lucides et puissantes qui masquaient en partie les propres motivations et intentions de l'artiste pour forcer le regard du spectateur. participation active à leur interprétation.

Website Link: https://beamartprojects.com/

Birth Year: 1943

Medium: mixed media

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Rebecca Belmore

First Name: Rebecca

Last Name: Belmore

Biography (English): A member of the Lac Seul First Nation (Anishinaabe), Rebecca Belmore RCA is an internationally recognized multidisciplinary artist. Rooted in the political and social realities of Indigenous communities, Belmore’s works make evocative connections between bodies, land and language. Solo exhibitions include: Facing the Monumental, Art Gallery of Ontario (2018); Rebecca Belmore: Kwe, Justina M.Barnicke Gallery (2014); The Named and The Unnamed, Morris and Helen Belkin Art Gallery, (2002). In 1991, Ayumee-aawach Oomama-mowan: Speaking to Their Mother was created at the Banff Centre for the Arts with a national tour in 1992 and subsequent gatherings took place across the Canada in 1996, 2008, and 2014. In 2017, Belmore participated in documenta 14 with Biinjiya’iing Onji (From Inside) in Athens, Greece and Kassel, Germany. In 2005, at the Venice Biennale, she exhibited Fountain in the Canadian Pavilion. Other group exhibitions include: Landmarks2017 / Reperes2017, Partners in Art (2017); Land Spirit Power, National Gallery of Canada (1992); and the IV Bienal de la Habana (1991). Belmore received the Jack and Doris Shadbolt Foundation’s VIVA Award (2004), the Hnatyshyn Visual Arts Award (2009), the Governor General’s Award in Visual and Media Arts (2013), and the Gershon Iskowitz Prize (2016). She received honourary doctorates from OCAD University (2005), Emily Carr University of Art + Design (2018), and NSCAD University (2019).

Biography (French): Membre de la Première Nation du Lac Seul (Anishinaabe), Rebecca Belmore ARC est une artiste multidisciplinaire de renommée internationale. Ancrées dans les réalités politiques et sociales des communautés autochtones, les œuvres de Belmore établissent des liens évocateurs entre les corps, la terre et la langue. Les expositions individuelles comprennent : Facing the Monumental, Musée des beaux-arts de l'Ontario (2018) ; Rebecca Belmore : Kwe, galerie Justina M.Barnicke (2014) ; Le nommé et l'innommé, Galerie d'art Morris et Helen Belkin, (2002). En 1991, Ayumee-aawach Oomama-mowan: Speaking to Their Mother a été créé au Banff Centre for the Arts avec une tournée nationale en 1992 et des rassemblements ultérieurs ont eu lieu partout au Canada en 1996, 2008 et 2014. En 2017, Belmore a participé à la documenta 14 avec Biinjiya’iing Onji (From Inside) à Athènes, en Grèce et à Kassel, en Allemagne. En 2005, à la Biennale de Venise, elle expose Fountain au Pavillon canadien. Parmi les autres expositions collectives figurent : Landmarks2017 / Reperes2017, Partners in Art (2017) ; Land Spirit Power, Musée des beaux-arts du Canada (1992); et la IVe Biennale de la Havane (1991). Belmore a reçu le prix VIVA de la Fondation Jack et Doris Shadbolt (2004), le prix Hnatyshyn en arts visuels (2009), le Prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques (2013) et le prix Gershon Iskowitz (2016). Elle a reçu des doctorats honorifiques de l’Université OCAD (2005), de l’Université d’art et de design Emily Carr (2018) et de l’Université NSCAD (2019).

Website Link: https://www.rebeccabelmore.com/

Birth Year: 1960

Medium: installation performance

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Bonnie Devine

First Name: Bonnie

Last Name: Devine

Biography (English): Bonnie Devine is a Serpent River Ojibwa installation artist, performance artist, sculptor, curator, and writer from Serpent River First Nation. She is currently an associate professor at OCAD University and the founding chair of its Indigenous Visual Cultural Program. As a conceptual artist, Devine works with a variety of media, often combining traditional and unconventional materials. At a 2007 solo exhibition, Medicine River, at the Axéneo 7 art space in Quebec, she created eight-foot long knitting needles and knitted 250 feet of copper cable to bring attention to the contamination of the Kashechewan water system. She has fashioned full-sized canoes from paper and works with natural materials such as reeds in her 2009 piece, New Earth Braid. She also created land-based installations. Devine's work has been exhibited in solo and group exhibitions in Canada, the U.S., South America, Russia and Europe. Her 2010 solo exhibition, Writing Home, curated by Faye Heavyshield, was reviewed in Border Crossings. A solo exhibition of Devine's work, Bonnie Devine: The Tecumseh Papers was held at the Art Gallery of Windsor from September 27, 2013, to January 5, 2014. Her work is featured in the Art Gallery of Ontario's exhibition Before and after the Horizon: Anishinaabe Artists of the Great Lakes. Devine has received numerous awards, including 2002 Best Experimental Video at the imagineNATIVE Film + Media Arts Festival, the Toronto Arts Awards Visual Arts Protégé Award in 2001, the Curry Award from the Ontario Society of Artists in 1999, a variety of awards from the Ontario College of Art and Design, as well as many grants and scholarships. She has been chosen for the 2011 Eiteljorg Museum fellowship. She received a Governor General's Award in Visual and Media Arts in 2021.

Biography (French): Bonnie Devine est une artiste d'installation, une artiste de performance, une sculptrice, une conservatrice et une écrivaine Ojibwa de Serpent River de la Première Nation de Serpent River. Elle est actuellement professeure agrégée à l’Université OCAD et présidente fondatrice de son programme de culture visuelle autochtone. En tant qu'artiste conceptuel, Devine travaille avec une variété de médias, combinant souvent des matériaux traditionnels et non conventionnels. Lors d'une exposition personnelle en 2007, Medicine River, à l'espace d'art Axéneo 7 à Québec, elle a créé des aiguilles à tricoter de huit pieds de long et tricoté 250 pieds de câble de cuivre pour attirer l'attention sur la contamination du système d'eau de Kashechewan. Elle a façonné des canoës grandeur nature en papier et travaille avec des matériaux naturels tels que des roseaux dans sa pièce de 2009, New Earth Braid. Elle a également créé des installations terrestres. Le travail de Devine a été exposé dans des expositions individuelles et collectives au Canada, aux États-Unis, en Amérique du Sud, en Russie et en Europe. Son exposition personnelle de 2010, Writing Home, organisée par Faye Heavyshield, a été revue dans Border Crossings. Une exposition personnelle du travail de Devine, Bonnie Devine : The Tecumseh Papers, s'est tenue à la Art Gallery of Windsor du 27 septembre 2013 au 5 janvier 2014. Son travail est présenté dans l'exposition du Musée des beaux-arts de l'Ontario Avant et après l'Horizon : Artistes Anishinaabe des Grands Lacs. Devine a reçu de nombreux prix, dont celui de la meilleure vidéo expérimentale en 2002 au festival imagineNATIVE Film + Media Arts, le Toronto Arts Awards Visual Arts Protégé Award en 2001, le Curry Award de la Société des artistes de l'Ontario en 1999, une variété de prix de l'Ontario College of Art and Design, ainsi que de nombreuses subventions et bourses. Elle a été choisie pour la bourse 2011 du Musée Eiteljorg. Elle a reçu un Prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques en 2021.

Social Media Link: https://www.instagram.com/bonniedevine_art/

Birth Year: 1952

Medium: conceptual fibre installation sculpture textiles

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Robert Houle

First Name: Robert

Last Name: Houle

Biography (English): Robert Houle RCA is a member of Sandy Bay First Nation, Manitoba and currently lives and works in Toronto. As a child Robert was taken from his family and placed in the Sandy Bay Indian Residential School. He moved to the Assiniboia Indian Residential School in Winnipeg for High School. He received a B.A. in Art History from the University of Manitoba, and a B.A. in Art Education from McGill University and studied painting and drawing at the International Summer Academy of Fine arts in Salzburg, Austria. Robert taught native studies at the Ontario College of Art and Design University in Toronto for fifteen years. Robert has exhibited widely in solo and group exhibition across Canada and abroad. He was curator of contemporary aboriginal art at the Canadian Museum of Civilization from 1977 to 1981 and has curated or co-curated groundbreaking exhibitions. He has written extensively on major contemporary First Nations and Native American artists. Robert Houle’s curating, writing and teaching has played a significant role in defining indigenous identity. His considerable influence as an artist, curator, writer, educator and cultural theorist has led to his being awarded the Janet Braide Memorial Award for Excellence in Canadian Art History in 1993; the 2001 Toronto Arts Award for the visual Arts; the Eiteljorg Fellowship in 2003, membership in the royal Canadian academy; distinguished alumnus, University of Manitoba, and the Canada Council Residency Program for the Visual Arts in Paris. He is represented by Galerie Orenda in Paris; Galerie Nicolas Robert in Montreal; and Kinsman Robinson Galleries in Toronto.

Biography (French): Robert Houle ARC est membre de la Première Nation de Sandy Bay, au Manitoba, et vit et travaille actuellement à Toronto. Enfant, Robert a été retiré à sa famille et placé au pensionnat indien de Sandy Bay. Il a déménagé au pensionnat indien Assiniboia à Winnipeg pour ses études secondaires. Il a obtenu un B.A. en histoire de l'art de l'Université du Manitoba et un B.A. en éducation artistique de l'Université McGill et a étudié la peinture et le dessin à l'Académie internationale d'été des beaux-arts de Salzbourg, en Autriche. Robert a enseigné les études autochtones à l'Université d'art et de design de l'Ontario à Toronto pendant quinze ans. Robert a exposé de nombreuses fois dans des expositions individuelles et collectives partout au Canada et à l'étranger. Il a été conservateur de l'art autochtone contemporain au Musée canadien des civilisations de 1977 à 1981 et a organisé ou co-organisé des expositions révolutionnaires. Il a beaucoup écrit sur les principaux artistes contemporains des Premières Nations et amérindiens. Les activités de commissaire, d’écriture et d’enseignement de Robert Houle ont joué un rôle important dans la définition de l’identité autochtone. Son influence considérable en tant qu'artiste, conservateur, écrivain, éducateur et théoricien de la culture lui a valu de recevoir le prix commémoratif Janet Braide pour l'excellence en histoire de l'art canadien en 1993 ; le Toronto Arts Award 2001 pour les arts visuels; la bourse Eiteljorg en 2003, adhésion à l'académie royale canadienne; ancien élève distingué de l'Université du Manitoba et du Programme de résidence du Conseil des Arts du Canada pour les arts visuels à Paris. Il est représenté par la Galerie Orenda à Paris ; Galerie Nicolas Robert à Montréal; et les galeries Kinsman Robinson à Toronto.

Social Media Link: https://www.instagram.com/roberthoule387/

Birth Year: 1947

Medium: drawing painting text-based

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Doreen Jensen

First Name: Doreen

Last Name: Jensen

Biography (English): Doreen Jensen, also known as Ha'hl Yee, was a Gitsxan elder, artist, carver, activist and educator. Jensen attended the Gitanmaax School of Northwest Indian Design where she learned to carve under the tutelage of Tony Hunt and Henry Hunt. She was a founding member of the ‘Ksan Village Association, the Society of Canadian Artists of Native Ancestry, chairperson with the Gitksan and Wet'suwet'en Vancouver Support Group and served on the board of trustees of the National Museum of Nature in Ottawa [6] and Emily Carr University, among others. Jensen taught traditional art practices at Emily Carr University of Art + Design. She featured in the National Film Board feature by Loretta Todd, Hands of History. In 1983, Jensen was the curator an exhibit at the Museum of Anthropology (MOA) titled Robes of Power. Robes of Power toured in Australia before appearing at the MOA. In 1996, Jensen co-curated the Vancouver Art Gallery exhibition Topographies: aspects of recent BC art. She was a contributor to Through My Eyes: Northwest Coast Artifacts at the Vancouver Museum in 1998.

Biography (French): Doreen Jensen, également connue sous le nom de Ha'hl Yee, était une aînée Gitsxan, une artiste, une sculptrice, une militante et une éducatrice. Jensen a fréquenté la Gitanmaax School of Northwest Indian Design où elle a appris à sculpter sous la tutelle de Tony Hunt et Henry Hunt. Elle a été membre fondatrice de la 'Ksan Village Association, de la Société des artistes canadiens d'ascendance autochtone, présidente du groupe de soutien Gitksan et Wet'suwet'en de Vancouver et a siégé au conseil d'administration du Musée national de la nature à Ottawa. 6] et l'Université Emily Carr, entre autres. Jensen a enseigné les pratiques artistiques traditionnelles à l'Université d'art et de design Emily Carr. Elle a figuré dans le long métrage de l'Office national du film de Loretta Todd, Hands of History. En 1983, Jensen était le conservateur d'une exposition au Musée d'anthropologie (MOA) intitulée Robes of Power. Robes of Power a tourné en Australie avant de se produire au MOA. En 1996, Jensen a co-organisé l'exposition Topographies: aspects of recent BC art de la Vancouver Art Gallery. Elle a contribué à Through My Eyes: Northwest Coast Artifacts au Vancouver Museum en 1998.

Birth Year: 1933

Medium: curation sculpture text-based wood

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Brian Jungen

First Name: Brian

Last Name: Jungen

Biography (English): Brian Jungen is an artist working in a diverse range of two and three-dimensional materials Jungen is widely regarded as a leading member of a new generation of Vancouver artists. While Indigeneity and identity politics have been central to much of his work, Jungen has "a lot of other interests" and themes that run through his oeuvre. His work addresses many audiences' misconception that "native artists are not allowed to do work that is not about First Nations identity", by making poetic artworks that defy categorization. Throughout his career Jungen has created poetic artworks which explore a diversity of themes through their openness to multiple interpretations and have "resisted the trap of racial pigeon-holing". His breakout series Prototypes for New Understanding was loaded with enough clues to "[allow] writers to connect the dots between globalization, Nike's Third World sweatshops, and Canada's institutionalized" colonial racism. Several themes have been consistently pursued throughout his career including museology, consumerism/ globalization, identity politics and animals. Jungen's work is in the National Gallery of Canada's permanent collection of contemporary artists. Shapeshifter (2000) was acquired in 2001; Star/Pointro (2011) was acquired in 2011; Court (2004) was acquired in 2012; and People's Flag (2006) in 2014.

Biography (French): Brian Jungen est un artiste travaillant avec une gamme diversifiée de matériaux bidimensionnels et tridimensionnels. Jungen est largement considéré comme un membre éminent d'une nouvelle génération d'artistes de Vancouver. Alors que l'indigénéité et la politique identitaire ont été au cœur d'une grande partie de son travail, Jungen a « beaucoup d'autres intérêts » et thèmes qui traversent son œuvre. Son travail s'attaque à l'idée fausse de nombreux publics selon laquelle « les artistes autochtones ne sont pas autorisés à faire des travaux qui ne concernent pas l'identité des Premières Nations », en créant des œuvres d'art poétiques qui défient toute catégorisation. Tout au long de sa carrière, Jungen a créé des œuvres poétiques qui explorent une diversité de thèmes grâce à leur ouverture à de multiples interprétations et ont « résisté au piège du classement racial ». Sa série Prototypes for New Understanding regorgeait de suffisamment d'indices pour « [permettre] aux écrivains de relier les points entre la mondialisation, les ateliers clandestins de Nike du tiers monde et le racisme colonial institutionnalisé » du Canada. Plusieurs thèmes ont été constamment abordés tout au long de sa carrière, notamment la muséologie, le consumérisme/mondialisation, les politiques identitaires et les animaux. L'œuvre de Jungen fait partie de la collection permanente d'artistes contemporains du Musée des beaux-arts du Canada. Shapeshifter (2000) a été acquis en 2001 ; Star/Pointro (2011) a été acquis en 2011 ; Court (2004) a été acquis en 2012 ; et Drapeau du peuple (2006) en 2014.

Social Media Link: https://www.instagram.com/brianjungen/?hl=en

Birth Year: 1970

Medium: drawing painting

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James Lavadour

First Name: James

Last Name: Lavadour

Biography (English): James Lavadour is an American painter and printmaker. A member of the Walla Walla tribe, he is known for creating large panel sets of landscape paintings. Lavadour is the co-founder of the Crow's Shadow Institute of the Arts. Discovering his love for painting as a child, Lavadour never completed high school, however he was encouraged by his family to explore his artistic endeavors. As a child he was inspired by what he described as "The Sistine Chapel": the peeling and water stained ceiling of his grandmothers house, with its drips and exposed layers, a visual experience that would influence his work for the rest of his life. When he was young, his parents worked at the Washington State Penitentiary in Walla Walla. A troubled teenager and a poor student, he focused on working at any job he could find: delivery boy, canner, janitor, carpenter, and even a firefighter. Without opportunities to gain formal artistic training he used books to explore the world of art and culture, including books about: Charles Marion Russell, Robert Rauschenberg, Richard Diebenkorn, Pierre Bonnard, J. M. W. Turner, and Franz Kline. The major turn for his artistic interest came with exploring Chinese and Asian art, a different creation process where "the kinetic experience is the essence of making art." In the 1990s Lavadour started to explore printmaking. The melding of printmaking with his painting led to complex layer usage in these new works. The layering technique of printmaking makes the geological features of the landscape look like maps or as if they are moving. These new works have also been compared to the art of Gerhard Richter. He also began to explore other themes, influenced by his interest in Chinese painting, abstract expressionism and jazz music (specifically John Coltrane), however, landscapes continue to be the basis for his work.

Biography (French): James Lavadour est un peintre et graveur américain. Membre de la tribu Walla Walla, il est connu pour avoir créé de grands ensembles de panneaux de peintures de paysages. Lavadour est le co-fondateur du Crow's Shadow Institute of the Arts. Découvrant son amour pour la peinture lorsqu'il était enfant, Lavadour n'a jamais terminé ses études secondaires, mais sa famille l'a encouragé à explorer ses activités artistiques. Enfant, il a été inspiré par ce qu'il a décrit comme « la Chapelle Sixtine » : le plafond écaillé et taché par l'eau de la maison de sa grand-mère, avec ses coulures et ses couches exposées, une expérience visuelle qui influencera son travail pour le reste de sa vie. Quand il était jeune, ses parents travaillaient au pénitencier de l'État de Washington à Walla Walla. Adolescent en difficulté et étudiant pauvre, il s'est concentré sur tous les emplois qu'il a pu trouver : livreur, conserveur, concierge, charpentier et même pompier. Sans possibilité d'acquérir une formation artistique formelle, il a utilisé des livres pour explorer le monde de l'art et de la culture, notamment des livres sur : Charles Marion Russell, Robert Rauschenberg, Richard Diebenkorn, Pierre Bonnard, J. M. W. Turner et Franz Kline. Le tournant majeur de son intérêt artistique est venu avec l'exploration de l'art chinois et asiatique, un processus de création différent où « l'expérience cinétique est l'essence de la création artistique ». Dans les années 1990, Lavadour a commencé à explorer la gravure. La fusion de la gravure et de sa peinture a conduit à une utilisation complexe des couches dans ces nouvelles œuvres. La technique de superposition de la gravure donne aux caractéristiques géologiques du paysage l’apparence de cartes ou comme si elles étaient en mouvement. Ces nouvelles œuvres ont également été comparées à l'art de Gerhard Richter. Il a également commencé à explorer d'autres thèmes, influencés par son intérêt pour la peinture chinoise, l'expressionnisme abstrait et la musique jazz (en particulier John Coltrane), mais les paysages continuent d'être la base de son travail.

Birth Year: 1951

Medium: painting printmaking

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