Base de données du CACC sur l'art canadien

Birth Year: 1949

Aliana Au

First Name: Aliana

Last Name: Au

Biography (English): Winnipeg, Manitoba Aliana Au was born in Guangdong, China. From 1967-1970 she studied Chinegse painting with Professor Au Ho-Nien in Hong Kong. From 1970-1973 she studied with professors R. E. Williams, Arnold Saper, Bob Sakowski, Ivan Eyre, George Swinton, and Robert Bruce at the School of Art, University of Manitoba. From 1977-1978 she studied painting with Ivan Eyre and graduated in 1978 with a Diploma in Art. The CCCA Winnipeg Artists Project was generously supported by the Winnipeg Foundation.

Biography (French): Aliana Au est née à Guandong, en Chine. De 1967 à 1970, elle étudie la peinture chinoise avec le professeur Au Ho-Nien à Hong Kong. De 1970 à 1973, elle a étudié avec les professeurs R. E. Williams, Arnold Saper, Bob Sakowski, Ivan Eyre, George Swinton et Robert Bruce à la School of Art de l'Université du Manitoba. De 1977 à 1978, elle étudie la peinture avec Ivan Eyre et obtient en 1978 un diplôme d'art. Le projet d’artistes de Winnipeg du CACC a été réalisé grâce au soutien généreux de la Winnipeg Foundation.

Website Link: https://www.alianaau-artist.com/

Birth Year: 1949

Medium: peinture

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Ron Benner

First Name: Ron

Last Name: Benner

Biography (English): After a year studying agricultural engineering at the University of Guelph, Ron Benner switched to the visual arts and went on to develop a practice that combines photography, installation and gardening. An internationally known artist and social justice activist, he collaborates regularly with community organizations involved in the defence of the environment.

Biography (French): Après une année d'études en génie agricole à l'Université de Guelph, il s'oriente vers les arts visuels et développe une pratique combinant photographie, installation et jardinage. Artiste de renommée internationale et militant pour la justice sociale, il collabore régulièrement avec des organismes communautaires impliqués dans la défense de l'environnement.

Website Link: http://www.ronbenner.ca/

Birth Year: 1949

Medium: commande terrassement installation la photographie basé sur du texte

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Andrea Bolley

First Name: Andrea

Last Name: Bolley

Biography (English): Andrea Bolley is a Canadian abstract painter based in Toronto. Bolley's paintings are abstract canvases which take their inspiration from Colour Field painters such as Helen Frankenthaler, Clyfford Still and Jules Olitski. Her work has been praised for the complex treatment of surface and depth. Bolley has made distinctive use of paper, both as a tool for the application of paint and in her "paper paintings", which incorporate a paper collage element. Bolley participated in the Art Gallery of Ontario's Artists with their Work program in the 1970s, for which she presented art workshops throughout the province of Ontario. In the 1970s and 1980s, Bolley worked closely with the painter Tony Calzetta and the two artists' work was paired in a number of exhibitions. Bolley's first major exhibition was held at the Pollock Gallery in 1977, and received critical attention for the artist's seriousness and ability to establish her own expressive voice within the tradition of colour field painting. A retrospective exhibition of Bolley's work was held at the Agnes Etherington Art Centre in 1981. Solo exhibitions of her work have also been held at the Thames Art Gallery (2004), Gallery 132, Toronto (1994-2003), Gallery One (1984-1986), and the Pollock Gallery (1977-1980). Bolley's work is in major public and private collections including the Art Gallery of Windsor, Canada Council Art Bank, Imperial Oil, Labatt's of Canada, and Toronto Dominion Bank.

Biography (French): Andrea Bolley est une peintre abstraite canadienne basée à Toronto. Les peintures de Bolley sont des toiles abstraites qui s'inspirent des peintres Color Field tels que Helen Frankenthaler, Clyfford Still et Jules Olitski. Son travail a été salué pour le traitement complexe de la surface et de la profondeur. Bolley a fait un usage distinctif du papier, à la fois comme outil pour l'application de la peinture et dans ses « peintures sur papier », qui incorporent un élément de collage de papier. Bolley a participé au programme Artistes du Musée des beaux-arts de l'Ontario avec leur travail dans les années 1970, pour lequel elle a présenté des ateliers d'art dans toute la province de l'Ontario. Dans les années 1970 et 1980, Bolley a travaillé en étroite collaboration avec le peintre Tony Calzetta et les œuvres des deux artistes ont été associées dans plusieurs expositions. La première grande exposition de Bolley a eu lieu à la Pollock Gallery en 1977 et a reçu une attention critique pour le sérieux de l'artiste et sa capacité à établir sa propre voix expressive dans la tradition de la peinture sur champs colorés. Une exposition rétrospective du travail de Bolley a eu lieu au Agnes Etherington Art Centre en 1981. Des expositions individuelles de son travail ont également eu lieu à la Thames Art Gallery (2004), à la Gallery 132, Toronto (1994-2003), à la Gallery One (1984- 1986) et la Pollock Gallery (1977-1980). Les œuvres de Bolley font partie de grandes collections publiques et privées, notamment la Galerie d'art de Windsor, la Banque d'art du Conseil des Arts du Canada, l'Impériale, Labatt du Canada et la Banque Toronto-Dominion.

Social Media Link: https://www.instagram.com/andreabolley6mom/

Birth Year: 1949

Medium: peinture

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Jean Bridge

First Name: Jean

Last Name: Bridge

Biography (English): Jean Bridge is a visual artist whose innovative projects have been widely exhibited in Canada and abroad. Her work investigates the nature of space and place and explores relationships between the natural and built environment through the structuring of sites and experiences. Her work plays with the common-place, elevating what is often taken for granted in the world around us. Her work invites active engagement and the examination of assumptions. Her most recent creative project is Canupy: Achilles Shadow – is an expansive artist garden and tree orphanage in Ottawa at the Experimental Farm (on view until September 2017). Here tree saplings were collected, planted and nurtured in a garden bed that resembled the shadow a fully mature maple tree might cast. Other recent work includes Elision (exhibited at Brock University Centre for the Arts) - mural size renderings of 3D models that fuse engineered urban forms with natural patterns of grown and two immersive video/audio environments – Around the Block and Livelihood (both exhibited at Red Head Gallery in Toronto) – in which we walk disarming urban streetscapes. Bridge's work is held in many public and private art collections including those of Canada Council Art Bank; Ottawa Art Gallery; Fornsallen, Visby, Sweden; Kamloops Art Gallery.

Biography (French): Jean Bridge est une artiste visuelle dont les projets innovants ont été largement exposés au Canada et à l'étranger. Son travail étudie la nature de l'espace et du lieu et explore les relations entre l'environnement naturel et bâti à travers la structuration des sites et des expériences. Son travail joue avec le lieu commun, élevant ce qui est souvent tenu pour acquis dans le monde qui nous entoure. Son travail invite à un engagement actif et à l’examen des hypothèses. Son projet créatif le plus récent est Canupy : Achilles Shadow – est un vaste jardin d'artistes et un orphelinat d'arbres à Ottawa à la Ferme expérimentale (visible jusqu'en septembre 2017). Ici, des jeunes arbres ont été collectés, plantés et entretenus dans un lit de jardin qui ressemblait à l'ombre qu'un érable pleinement mature pourrait projeter. D'autres travaux récents incluent Elision (exposé au Centre des arts de l'Université Brock) - des rendus au format mural de modèles 3D qui fusionnent des formes urbaines techniques avec des modèles naturels de végétation et deux environnements vidéo/audio immersifs - Around the Block et Livelihood (tous deux exposés au Red Head Gallery à Toronto) – dans laquelle nous parcourons des paysages urbains désarmants. Les œuvres de Bridge sont conservées dans de nombreuses collections d'art publiques et privées, notamment celles de la Banque d'œuvres d'art du Conseil des Arts du Canada ; Galerie d'art d'Ottawa; Fornsallen, Visby, Suède ; Galerie d'art de Kamloops.

Social Media Link: https://www.facebook.com/jbridgeme

Website Link: https://www.jeanbridge.com/

Birth Year: 1949

Medium: audio numérique la photographie vidéo

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Hank Bull

First Name: Hank

Last Name: Bull

Biography (English): Hank Bull became interested in art and music at an early age, mentored by a librarian, Graham Barnett, and encouraged by high school instructors Paavo Airola and David Blackwood. After travels in Europe in 1968, he studied drawing and photography in Toronto under Robert Markle and Nobuo Kuobota. In 1973, he moved to xwməθkwəy̓əm (Musqueam)/Vancouver to join the newly formed artist-run centre Western Front. In this interdisciplinary setting, he was exposed to mail art, poetry, ceramics, improvised music and video. He produced a weekly radio broadcast, cabaret performances, shadow theatre and telecommunications projects. During the 1980s he travelled in Asia, Africa and Europe, organized international exchanges and helped to develop a Canadian network of artist-run centres. He has worked in collaboration with a wide range of artists, including Kate Craig, Glenn Lewis, General Idea, Robert Filliou, William S. Burroughs, Kathy Acker, Michael Snow, Mona Hatoum, Antoni Muntadas, Steve Lacy, Tari Ito, Rebecca Belmore, Germaine Koh, Khan Lee, Cornelia Wyngaarden and many others. He has filled a variety of roles as artist, curator, writer, organizer and administrator. Throughout his career, he has continued an individual practice of painting, music, photography, video, sound and sculpture. He lives at the Western Front and spends a fair amount of time in swiya, territory of shíshálh Nation, as a member of the Storm Bay Art and Conservation Society.

Biography (French): Hank Bull s'est intéressé à l'art et à la musique dès son plus jeune âge, encadré par un bibliothécaire, Graham Barnett, et encouragé par les professeurs du secondaire Paavo Airola et David Blackwood. Après des voyages en Europe en 1968, il étudie le dessin et la photographie à Toronto auprès de Robert Markle et Nobuo Kuobota. En 1973, il déménage à xwməθkwəy̓əm (Musqueam)/Vancouver pour rejoindre le nouveau centre d'artistes autogéré Western Front. Dans ce cadre interdisciplinaire, il a été exposé au mail art, à la poésie, à la céramique, à la musique improvisée et à la vidéo. Il a réalisé une émission de radio hebdomadaire, des spectacles de cabaret, du théâtre d'ombres et des projets de télécommunications. Au cours des années 1980, il voyage en Asie, en Afrique et en Europe, organise des échanges internationaux et contribue au développement d'un réseau canadien de centres d'artistes autogérés. Il a travaillé en collaboration avec un large éventail d'artistes, dont Kate Craig, Glenn Lewis, General Idea, Robert Filliou, William S. Burroughs, Kathy Acker, Michael Snow, Mona Hatoum, Antoni Muntadas, Steve Lacy, Tari Ito, Rebecca Belmore. , Germaine Koh, Khan Lee, Cornelia Wyngaarden et bien d'autres. Il a rempli divers rôles en tant qu'artiste, conservateur, écrivain, organisateur et administrateur. Tout au long de sa carrière, il poursuit une pratique individuelle de la peinture, de la musique, de la photographie, de la vidéo, du son et de la sculpture. Il vit sur le front occidental et passe beaucoup de temps à swiya, territoire de la nation shíshálh, en tant que membre de la Storm Bay Art and Conservation Society.

Social Media Link: https://www.instagram.com/hank_bull/

Website Link: https://hankbull.ca/

Birth Year: 1949

Medium: audio performance

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Robin Collyer

First Name: Robin

Last Name: Collyer

Biography (English): Robin Collyer immigrated to Canada in 1957. He attended the Ontario College of Art, Toronto, in the late 1960s, and presented his first solo exhibition at the Carmen Lamanna Gallery in 1971. Collyer's early black and white photographs, such as Shirley and Clint Eastwood, 1973, looked critically at the limits of the photographic image and its claims to authenticity. This questioning of what we are looking at and what it depicts continues to be a central element of his photo works. His early sculpture shows the influence of minimalism in its geometric design, abstraction and unadorned materials, but with the addition of narrative elements. By the mid-1980s, Collyer had moved further away from his early minimalism to include photography, found imagery and text on the surfaces of his sculptures. Constructed from elements and materials that retain some of their original associations, these discrete objects preserve an open-ended narrative and function as contemporary metaphors. The influence of photography is always present in his sculptures, as in Vacuum Cleaner Building (after Walker Evans), 1993, which reproduces an architectural structure from a 1936 Evans photograph. Photography, and in particular, digital imagery, has become part of both Collyer's sculptures and public works. Surfaces of objects have been covered with photographs (Round Ceiling Diffuser, 2000). A large public commission for the Canadian Embassy in Berlin uses a nature-based image integrated into the existing architecture (Canopy, 2005). Photographs and media images have been the starting point for three-dimensional constructions like Kennel, 2002 and Cell Door, 2005. Internet image searches form the basis for works such as Most Violent Places, 2005, and works in progress utilize digital tools to convert photographic images into 3-dimensional forms. Robin Collyer has exhibited his sculpture and photography across Canada and the United States, and in Germany, Austria, Switzerland, England and France. In 1987 he exhibited at Documenta 8 in Kassel, Germany, and in 1993 his work represented Canada at the Venice Biennale. In 1999, an exhibition of Collyer's photographs was organized by the Art Gallery of York University, which then travelled to the Canadian Museum of Contemporary Photography and the Centre photographique d'Ile-de-France in Pontault-Combault, France. In 2012, Le point du Jour, in Cherbourg, France exhibited a large survey exhibition of his photographic work and sculpture.

Biography (French): Robin Collyer a immigré au Canada en 1957. Il a fréquenté l'Ontario College of Art de Toronto à la fin des années 1960 et a présenté sa première exposition personnelle à la galerie Carmen Lamanna en 1971. Les premières photographies en noir et blanc de Collyer, comme Shirley et Clint Eastwood, 1973, portaient un regard critique sur les limites de l'image photographique et ses prétentions à l'authenticité. Cette remise en question de ce que l'on regarde et de ce qu'il représente continue d'être un élément central de ses travaux photographiques. Ses premières sculptures montrent l'influence du minimalisme dans sa conception géométrique, son abstraction et ses matériaux sans fioritures, mais avec l'ajout d'éléments narratifs. Au milieu des années 1980, Collyer s'était éloigné de son minimalisme initial pour inclure la photographie, des images et des textes trouvés sur la surface de ses sculptures. Construits à partir d'éléments et de matériaux qui conservent certaines de leurs associations originales, ces objets discrets préservent un récit ouvert et fonctionnent comme des métaphores contemporaines. L'influence de la photographie est toujours présente dans ses sculptures, comme dans Vacuum Cleaner Building (d'après Walker Evans), 1993, qui reproduit une structure architecturale d'après une photographie d'Evans de 1936. La photographie, et en particulier l'imagerie numérique, fait désormais partie des sculptures et des œuvres publiques de Collyer. Les surfaces des objets ont été recouvertes de photographies (Round Ceiling Diffuser, 2000). Une grande commande publique pour l'ambassade du Canada à Berlin utilise une image basée sur la nature intégrée à l'architecture existante (Canopy, 2005). Les photographies et les images médiatiques ont été le point de départ de constructions tridimensionnelles comme Kennel, 2002 et Cell Door, 2005. Les recherches d'images sur Internet constituent la base d'œuvres telles que Most Violent Places, 2005, et les travaux en cours utilisent des outils numériques pour convertir des images photographiques. images en formes tridimensionnelles. Robin Collyer a exposé ses sculptures et ses photographies partout au Canada et aux États-Unis, ainsi qu'en Allemagne, en Autriche, en Suisse, en Angleterre et en France. En 1987, il expose à la Documenta 8 à Kassel, en Allemagne, et en 1993, son travail représente le Canada à la Biennale de Venise. En 1999, une exposition des photographies de Collyer a été organisée par la Galerie d'art de l'Université York, qui a ensuite voyagé au Musée canadien de la photographie contemporaine et au Centre photographique d'Île-de-France à Pontault-Combault, en France. En 2012, Le point du Jour, à Cherbourg, en France, a présenté une grande exposition d'enquête de son travail photographique et de sa sculpture.

Birth Year: 1949

Medium: installation la photographie sculpture

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Sylvain Cousineau

First Name: Sylvain

Last Name: Cousineau

Biography (English): ​Sylvain Cousineau exhibited his work regularly since the mid seventies. The most familiar objects, if presented in a particular way and examined with fresh eyes, often seem to possess an altered significance, to be charged with new meaning. This simple fact, which reflects the dynamics inherent to all creative endeavour, takes on a singular force and heightened relief in the work of Sylvain P. Cousineau. This artistic practice evolving steadily over a period of more than forty years, is rich and varied (photographs, paintings, assemblages), and expressed in a tone and spirit of remarkable consistency. Cousineau’s essentially figurative painting focused initially on four apparently innocuous themes or motifs – a ship, a vase of flowers, a teapot and a birthday cake – that the artist reworked over the years from different perspectives and according to different moods. The use of certain formal devices, also recurrent and frequently highly connotative (drips, brushstrokes, dots of colour), imbues the work with a powerfully reflective dimension, while also endowing it with a marked emotional charge. In an approach that is both profound and playful, and in a tone marked by certain humour, Cousineau’s explorations centre primarily on the actual creation of art and, its relations with the world. Broad and all-encompassing, this approach nevertheless avoids orthodoxy and the rigid self-referentiality that modernity has sometimes imposed on the work of art (art about art). Although easily recognizable and accessible to all, the ideas and objects represented in Cousineau’s painting nevertheless carry multiple meanings. We need only think, for example, of the four elements (water, fire, earth and air) – considered in ancient times as the basic components of all things… For instance, all the objects serve as the container of source of another body: smoke comes out of the ship’s funnel; gifts emerge from the birthday cake; flowers seem to burst forth from the vase; and steam escapes from the spout of the teapot. These images, which evoke the idea of transformation, are not unrelated to that other phenomenon of transformation ( of an object or a viewpoint) that constitutes artistic creation; they thus play a metaphorical role in relation to the conditions and concerns of this practice.

Biography (French): ​Sylvain Cousineau expose régulièrement son travail depuis le milieu des années soixante-dix. Les objets les plus familiers, s'ils sont présentés d'une manière particulière et examinés avec un regard neuf, semblent souvent posséder une signification altérée, être chargés d'une signification nouvelle. Ce simple fait, qui reflète la dynamique inhérente à toute démarche créatrice, prend une force singulière et un relief accru dans l'œuvre de Sylvain P. Cousineau. Cette pratique artistique, en constante évolution depuis plus de quarante ans, est riche et variée (photographies, peintures, assemblages), et s'exprime dans un ton et un esprit d'une remarquable cohérence. La peinture essentiellement figurative de Cousineau s’articule initialement autour de quatre thèmes ou motifs en apparence anodins – un navire, un vase de fleurs, une théière et un gâteau d’anniversaire – que l’artiste retravaille au fil des années sous différents angles et selon différentes humeurs. L'utilisation de certains dispositifs formels, également récurrents et souvent très connotatifs (gouttes, coups de pinceau, points de couleur), confère à l'œuvre une dimension puissamment réflexive, tout en lui conférant une charge émotionnelle marquée. Dans une approche à la fois profonde et ludique, et sur un ton empreint d’un certain humour, les explorations de Cousineau portent principalement sur la création artistique elle-même et ses relations avec le monde. Large et globale, cette approche évite néanmoins l’orthodoxie et l’autoréférentialité rigide que la modernité a parfois imposée à l’œuvre d’art (l’art sur l’art). Bien que facilement reconnaissables et accessibles à tous, les idées et les objets représentés dans la peinture de Cousineau portent néanmoins de multiples significations. Il suffit de penser, par exemple, aux quatre éléments (eau, feu, terre et air) – considérés dans l’Antiquité comme les composants de base de toutes choses… Par exemple, tous les objets servent de contenant de source à un autre corps : de la fumée sort de la cheminée du navire ; des cadeaux sortent du gâteau d’anniversaire ; des fleurs semblent jaillir du vase ; et de la vapeur s'échappe du bec de la théière. Ces images, qui évoquent l'idée de transformation, ne sont pas étrangères à cet autre phénomène de transformation (d'un objet ou d'un point de vue) que constitue la création artistique ; ils jouent ainsi un rôle métaphorique par rapport aux conditions et aux préoccupations de cette pratique.

Birth Year: 1949

Medium: collage dessin installation peinture la photographie sculpture

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Peter Day

First Name: Peter

Last Name: Day

Biography (English): Peter Day was a curator, journalist, artist, art consultant and collector in Toronto from 1976 to 1990. Day was managing director of the Mira Godard Gallery, Toronto, from 1977 to 1983, when he co-chaired the Canadian Special Committee for the Arts (the Macaulay Committee), and was also a member of the City of Toronto Public Art Commission, as well as visual arts reporter for the Canadian Broadcasting Corporation's radio programme State of the Arts, an associate editor of Canadian Art magazine and editor of Impulse magazine, and a public art consultant for several Toronto building projects He wrote two books published by Summerhill Press: Canada's Gigantic with photographer Henri Robideau, and Art in Everyday Life with Linda Lewis. He was also a collector of the works of concrete poets, whom he promoted through writing and exhibition. Peter Day died in Toronto in 1990. His papers consist of over 2000 items, monographs, limited edition books and artists books, drawings, posters, prints, cards, boxes, wrappers, video tape recordings, and various small sculptures. It is housed at the Morris and Helen Belkin Art Gallery on the campus of the University of British Columbia.

Biography (French): Peter Day a été conservateur, journaliste, artiste, consultant en art et collectionneur à Toronto de 1976 à 1990. Day a été directeur général de la Mira Godard Gallery de Toronto de 1977 à 1983, lorsqu'il a coprésidé le Comité spécial canadien pour les arts. (le comité Macaulay), et a également été membre de la Commission d'art public de la ville de Toronto, ainsi que journaliste en arts visuels pour l'émission de radio State of the Arts de la Société Radio-Canada, rédacteur adjoint du magazine Canadian Art et rédacteur en chef du magazine Impulse. , et consultant en art public pour plusieurs projets de construction à Toronto. Il a écrit deux livres publiés par Summerhill Press : Canada's Gigantic avec le photographe Henri Robideau et Art in Everyday Life avec Linda Lewis. Il était également un collectionneur d'œuvres de poètes concrets, qu'il promouvait par l'écriture et l'exposition. Peter Day est décédé à Toronto en 1990. Ses papiers comprennent plus de 2 000 articles, monographies, livres en édition limitée et livres d'artistes, dessins, affiches, gravures, cartes, boîtes, emballages, enregistrements vidéo et diverses petites sculptures. Il se trouve à la Morris and Helen Belkin Art Gallery, sur le campus de l'Université de la Colombie-Britannique.

Birth Year: 1949

Medium: critique commissariat

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Max Dean

First Name: Max

Last Name: Dean

Biography (English): Max Dean has been producing works of significance for over 35 years. His performances, sculptures and installations explore the complex relationship between the artist, the spectator and the work. His interactive kinetic installations that explore the nature of trust and control. Dean's early performance-based works evolved into sculptures that require audience participation; for example, the works are activated by the presence of the viewer who has the ability to affect the final outcome either indirectly, by triggering a sensor, or directly, by participating in the making of the work. The objects he employs are often extensions of the human body, such as tools and furniture. Dean's work has been exhibited nationally and internationally. Exhibition highlights include the dAPERTutto at the Venice Biennale in 1999; Platea dell'umanita at the Venice Biennale in 2001; Voici, 100 years of contemporary art, Palais des Beaux-Arts, Brussels; The Fifth Element, Kunsthalle Dusseldorf, Iconoclash et Future Cinema at ZKM, Karlsruhe. The Robotic Chair (1984 - 2006) [with Raffaello D'Andrea and Matt Donovan] is a generic-looking wooden chair with the capacity to fall apart and put itself back together. With shuddering force the chair collapses to the floor then with persistence and determination proceeds to seek out its parts and upright itself. The Robotic Chair fulfills a twenty-year-long endeavour and continues Dean's exploration of robotics and art. Max Dean was awarded the Gershon Iskowitz Prize in 2005.

Biography (French): Max Dean produit des œuvres importantes depuis plus de 35 ans. Ses performances, sculptures et installations explorent la relation complexe entre l'artiste, le spectateur et l'œuvre. Ses installations cinétiques interactives qui explorent la nature de la confiance et du contrôle. Les premières œuvres basées sur la performance de Dean ont évolué vers des sculptures qui nécessitent la participation du public ; par exemple, les œuvres sont activées par la présence du spectateur qui a la capacité d'influencer le résultat final soit indirectement, en déclenchant un capteur, soit directement, en participant à la réalisation de l'œuvre. Les objets qu'il utilise sont souvent des extensions du corps humain, comme des outils et des meubles. Le travail de Dean a été exposé à l'échelle nationale et internationale. Les points forts de l'exposition incluent le dAPERTutto à la Biennale de Venise en 1999 ; Platea dell'umanita à la Biennale de Venise en 2001 ; Voici, 100 ans d'art contemporain, Palais des Beaux-Arts, Bruxelles ; Le Cinquième Élément, Kunsthalle Dusseldorf, Iconoclash et Future Cinema au ZKM, Karlsruhe. La chaise robotique (1984 - 2006) [avec Raffaello D'Andrea et Matt Donovan ] est une chaise en bois d'aspect générique ayant la capacité de se désagréger et de se reconstituer. Avec une force de frémissement, la chaise s'effondre sur le sol puis, avec persévérance et détermination, elle cherche ses pièces et se redresse. La chaise robotique est l'aboutissement d'un effort de vingt ans et poursuit l'exploration de Dean sur la robotique et l'art. Max Dean a reçu le prix Gershon Iskowitz en 2005.

Birth Year: 1949

Medium: audio performance la photographie sculpture

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Jane Eccles

First Name: Jane

Last Name: Eccles

Biography (English): Jane Eccles' formal education involved a B.A. in Fine Arts and English from the University of Guelph and a B.Ed from University of Toronto. She retired from a teaching career in 2003. She was awarded the Marshall McLuhan Award for Distinguished Teaching in 1992. For twenty five years Jane Eccles has built a career as a painter and performer and is recognized as a supporter of the arts. She shares her studio-home with artist Ron Eccles.

Biography (French): L'éducation formelle de Jane Eccles impliquait un B.A. en beaux-arts et en anglais de l'Université de Guelph et un B.Ed de l'Université de Toronto. Elle a pris sa retraite de sa carrière d'enseignante en 2003. Elle a reçu le prix Marshall McLuhan pour enseignement distingué en 1992. Depuis vingt-cinq ans, Jane Eccles a bâti une carrière de peintre et d'interprète et est reconnue comme une partisane des arts. Elle partage son studio-maison avec l'artiste Ron Eccles.

Website Link: http://www.jane.ecclesart.ca/home.html

Birth Year: 1949

Medium: installation peinture gravure

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