CCCA Canadian Art Database

Medium: sculpture

Jennifer Angus

First Name: Jennifer

Last Name: Angus

Biography (English): Jennifer Angus is a professor in the Design Studies Department at the University of Wisconsin -Madison where she teaches textile design, specifically, everything to do with the dyeing and printing of cloth, including natural dyes. She is an artist described by Art Daily as “one of the top contemporary installation artists in the country.” Jennifer creates some of the most provocative work most people have ever seen in an art museum setting. She composes patterns using hundreds of insects, placing them in arrangements that suggest wallpaper and textiles. Angus was one of nine leading contemporary artists selected for the landmark exhibition Wonder at the Smithsonian’s Renwick Gallery in 2015. Jennifer has been the recipient of numerous awards including Canada Council, Ontario Arts Council and Wisconsin Arts Board grants. More recently she received the inaugural Forward Art Prize, an unrestricted award for outstanding women artists of Wisconsin. At the University of Wisconsin-Madison she has received annual grants from the Graduate School, as well as the Vilas Associate Award, the Emily Mead Baldwin-Bascom Professorship in the Creative Arts, the Romnes Fellowship, the UW Arts Institute Creative Arts Award, Rothermel Bascom Professorship, the Kellett Mid-Career Faculty Researcher Award and most recently the Edna Wiechers Arts in Wisconsin Award. In 2013, Albert Whitman and Company, Chicago, published her first novel, In Search of Goliathus Hercules. At the University of Wisconsin – Madison she is the faculty leader of the Global Artisans Initiative which launched an interdisciplinary outreach program that connects students with artisans who have requested assistance with microenterprise development. The program leverages the relationships that University of Wisconsin has built over many years at global health field course sites in Ecuador, India, Kenya Mexico, Nepal and Vietnam to create a product design and marketplace system to support the economic wellbeing of local artisans.

Biography (French): Jennifer Angus est professeur au département d'études de design de l'Université du Wisconsin-Madison, où elle enseigne le design textile, en particulier tout ce qui a trait à la teinture et à l'impression de tissus, y compris les colorants naturels. Elle est une artiste décrite par Art Daily comme « l’une des meilleures artistes d’installations contemporaines du pays ». Jennifer crée certaines des œuvres les plus provocatrices que la plupart des gens aient jamais vues dans un musée d'art. Elle compose des motifs à partir de centaines d'insectes, les plaçant dans des arrangements évoquant du papier peint et des textiles. Angus était l'un des neuf artistes contemporains de premier plan sélectionnés pour l'exposition phare Wonder à la Renwick Gallery du Smithsonian en 2015. Jennifer a reçu de nombreux prix, notamment des subventions du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts de l'Ontario et du Wisconsin Arts Board. Plus récemment, elle a reçu le premier Forward Art Prize, un prix sans restriction récompensant des femmes artistes exceptionnelles du Wisconsin. À l'Université du Wisconsin-Madison, elle a reçu des bourses annuelles de la Graduate School, ainsi que le Vilas Associate Award, la chaire Emily Mead Baldwin-Bascom en arts créatifs, la Romnes Fellowship, le UW Arts Institute Creative Arts Award, Rothermel Bascom Professorship, le Kellett Mid-Career Faculté Researcher Award et plus récemment le Edna Wiechers Arts in Wisconsin Award. En 2013, Albert Whitman and Company, Chicago, a publié son premier roman, In Search of Goliathus Hercules. À l'Université du Wisconsin – Madison, elle est directrice pédagogique de la Global Artisans Initiative, qui a lancé un programme de sensibilisation interdisciplinaire qui met en relation les étudiants avec des artisans qui ont demandé de l'aide pour le développement de microentreprises. Le programme s'appuie sur les relations que l'Université du Wisconsin a bâties au fil de nombreuses années sur des sites de cours de santé mondiale en Équateur, en Inde, au Kenya, au Mexique, au Népal et au Vietnam pour créer un système de conception de produits et de marché visant à soutenir le bien-être économique des artisans locaux.

Social Media Link: https://www.instagram.com/insectgurl/

Additional Social Media Link: https://www.facebook.com/jenniferangusartist/

Website Link: https://www.jenniferangus.com/

Birth Year: 1961

Medium: fibre installation sculpture textiles

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Roy Arden

First Name: Roy

Last Name: Arden

Biography (English): Roy Arden is an artist who is a member of the Vancouver School. He creates sculpture from found objects, oil paintings, graphite drawings and collage, and curates and writes on contemporary art. Arden graduated from Emily Carr College of Art and Design with a bachelor's degree in photography and interdisciplinary studies in 1982 and with an M.A. from the University of British Columbia in 1990. In the early part of his career, Arden made straightforward Cibachrome images of the contemporary urban scene which he called "Fragments", then made what he called "meta-photography", archival image diptychs. In the 1990s, he made colour photographs of what he termed the "landscape of economy" that depicted the city of Vancouver and its rapid growth. Arden has been exhibiting since the late 1970S. He has had solo exhibitions at the Ikon Gallery, Birmingham (2006); Galerie Tanit, Munich (2005 and 2006); and a mid-career show at the Vancouver Art Gallery (2007). His work has also had been included in exhibitions at the Kunstmuseum Basel, and the Museum of Modern Art, Antwerp (Museum van Hedendaagse Kunst). It is in the collection of the Museum of Modern Art, New York – it was featured in their inaugural exhibition after their expansion in 2005 - besides being included in the collections of major museums in Canada, Europe and the U.S.A. such as the Centre Pompidou in Paris, the Hammer Museum in Los Angeles, the Musée d'art contemporain de Montréal, the Museu d'Art Contemporani de Barcelona, the Albright-Knox Art Gallery in Buffalo the Art Gallery of Ontario and the National Gallery of Canada in Ottawa. He is represented by Monte Clark Gallery in Vancouver. He has been an instructor in the photography studio department at the Emily Carr University of Art and Design and the University of British Columbia. He has also been a guest teacher at art academies in Finland, Germany, and Switzerland. Arden has also been involved in curating as a curator - he curated a show on photography at Monte Clark Gallery in 1999 - and as a collaborator and published critical texts on contemporary art for catalogues and art magazines.

Biography (French): Roy Arden est un artiste membre de la Vancouver School. Il crée des sculptures à partir d'objets trouvés, de peintures à l'huile, de dessins au graphite et de collages, et organise et écrit sur l'art contemporain. Arden est diplômé de l'Emily Carr College of Art and Design avec un baccalauréat en photographie et études interdisciplinaires en 1982 et une maîtrise de l'Université de la Colombie-Britannique en 1990. Au début de sa carrière, Arden a réalisé des images Cibachrome simples du monde contemporain. scène urbaine qu'il nomme « Fragments », puis réalise ce qu'il appelle des « méta-photographies », des diptyques d'images d'archives. Dans les années 1990, il a réalisé des photographies couleur de ce qu'il a appelé le « paysage économique » qui dépeint la ville de Vancouver et sa croissance rapide. Arden expose depuis la fin des années 1970. Il a eu des expositions personnelles à la Ikon Gallery de Birmingham (2006) ; Galerie Tanit, Munich (2005 et 2006) ; et une exposition à mi-carrière à la Vancouver Art Gallery (2007). Son travail a également été inclus dans des expositions au Kunstmuseum Basel et au Musée d'art moderne d'Anvers (Museum van Hedendaagse Kunst). Il fait partie de la collection du Museum of Modern Art de New York – il a figuré dans son exposition inaugurale après son agrandissement en 2005 – en plus de faire partie des collections de grands musées du Canada, d'Europe et des États-Unis, comme le Centre Pompidou de Paris, le Hammer Museum de Los Angeles, le Musée d'art contemporain de Montréal, le Museu d'Art Contemporani de Barcelona, la Albright-Knox Art Gallery de Buffalo, le Musée des beaux-arts de l'Ontario et le Musée des beaux-arts du Canada à Ottawa. Il est représenté par la Monte Clark Gallery de Vancouver. Il a été professeur au département de studio de photographie de l'Université d'art et de design Emily Carr et de l'Université de la Colombie-Britannique. Il a également été professeur invité dans des académies d'art en Finlande, en Allemagne et en Suisse. Arden a également été impliqué dans le commissariat en tant que conservateur - il a organisé une exposition sur la photographie à la galerie Monte Clark en 1999 - et en tant que collaborateur et a publié des textes critiques sur l'art contemporain pour des catalogues et des magazines d'art.

Social Media Link: https://www.instagram.com/roy.arden/

Website Link: https://www.royarden.com/

Birth Year: 1957

Medium: painting sculpture

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ᐸᓇᐸᓯ ᐊᓇᓴᒐ Barnabus Arnasungaaq

First Name: ᐸᓇᐸᓯ ᐊᓇᓴᒐ Barnabus

Last Name: Arnasungaaq

Biography (English): ᐸᓇᐸᓯ ᐊᓇᓴᒐ Barnabus Arnasungaaq was one of the first participants in his community’s sculpture program in the early 1960s. His work has had a great influence on his community and on the art of the Keewatin for more than four decades. Although he created a number of prints and drawings during his career, Arnasungaaq is first and foremost recognized as an important figure in contemporary Inuit sculpture. He continued to make works that embody the wonderful ideographic quality that we have come to associate with the artistic communities of the tundra. During his career, the artist participated in more than 100 group and solo shows in Canada, the United States and abroad. Today his works can be found in important collections, such as the Prince of Wales Northern Heritage Center, the University of British Columbia Museum of Anthropology, the National Gallery of Canada, the Center of the Dennos Museum, the Canadian Museum of Civilizations, the Peary-MacMillan Arctic Museum and much more.

Biography (French): ᐸᓇᐸᓯ ᐊᓇᓴᒐ Barnabus Arnasungaaq fut l’un des premiers participants au programme de sculpture de sa communauté au début des années 1960. Son travail a eu une grande influence sur sa communauté et sur l’art du Keewatin depuis plus de quatre décennies. Bien qu'il ait réalisé de nombreuses gravures et dessins au cours de sa carrière, Arnasungaaq est avant tout reconnu comme une figure importante de la sculpture inuit contemporaine. Il a continué à réaliser des œuvres qui incarnent la merveilleuse qualité idéographique que nous en sommes venus à associer aux communautés artistiques de la toundra. Au cours de sa carrière, l'artiste a participé à plus de 100 expositions collectives et individuelles au Canada, aux États-Unis et à l'étranger. Aujourd'hui, ses œuvres se retrouvent dans d'importantes collections, telles que le Centre du patrimoine septentrional Prince-de-Galles, le Musée d'anthropologie de l'Université de la Colombie-Britannique, le Musée des beaux-arts du Canada, le Centre du Musée Dennos, le Musée canadien des civilisations, le Musée Peary -Musée de l'Arctique MacMillan et bien plus encore.

Community Detail: recZJXig7mWdp3Us2

Birth Year: 1924

Medium: sculpture

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ᑲᕈ ᐊᓴᕙ Karoo Ashevak

First Name: ᑲᕈ ᐊᓴᕙ Karoo

Last Name: Ashevak

Biography (English): ᑲᕈ ᐊᓴᕙ Karoo Ashevak was an Inuk sculptor who lived a nomadic hunting life in the Kitikmeot Region of the central Arctic before moving into Spence Bay, Northwest Territories (now Taloyoak, Nunavut) in 1960. His career as an artist started in 1968 by participating in a government-funded carving program. Working with the primary medium of fossilized whale bone, Ashevak created approximately 250 sculptures in his lifetime, and explored themes of shamanism and Inuit spirituality through playful depictions of human figures, angakuit (shamans), spirits, and Arctic wildlife. In 1970, the Canadian Eskimo Art Council held the Centennial competition in Yellowknife. Ashevak's sculptures won third prize in that competition, and he became a recognizable artist after his solo exhibition at the American Indian Art Centre in New York in 1973. Ashevak's work abandoned cultural references and adopted a modern expressionistic style, which visually appealed to a broader audience than collectors of Inuit art. An extensive collection of Ashevak's sculptures went on solo or group exhibitions at commercial galleries around the world, including Franz Bader Gallery at Washington, D.C., Lippel Gallery in Montreal, the Upstairs Gallery in Winnipeg and the Inuit Gallery in Toronto. Ashevak's works were also widely traded on the auction market. Despite his short and tragic passing — he died in October 1974 from a house fire, Ashevak was crucial to the development of Inuit sculpture by visualizing an imaginative world with supernatural beings and shamanistic practices.

Biography (French): Karoo Ashevak Inuuliqtuminiq 1940 saniani Talurjuap Qitirmiuni Nunavummi, Karoo Ashevak nunaqaqsimajuq asini, inuusiqaqsuni piqqusiqaqtumik angunasuppatsutik, nuttilaunnginirmini Talurjuarmut 1960-mi. Ashevak qaujimajaujjutiqaqtuq ajjiungittunik qimirruniqasuungummata tautuqquuqtanginnik ammalu Inuit angakkininginnik tamakkunani sanaugarmini. Pinnguarniqaqtuujaaqsuni, sanagusirivattanga takutsautitsimmat anginiqsamik-sanammangit ammalu ijurnaqsutik-ilulilluatarijangit sanannguagangita tarninnguat, angakkuit, ukiuqtaqtumiutait uumajut ammalu inunnguat. Atuqtalluataqarajutsuni Arviup sauninganik ammalu atusuungummitsuin ujaqqanik tuugaarnillu, tuttuit najjunginnik ammalu suqqarnik ilagutsiutisimatillugit sanauganginnut. Sanaugaqtiukainnalaurnirmini ilitarijaulilauqsimajuq nunalimmini, ammalu Uqsuqtuumi, tautugarijauliqsuni kinguvaariinut Qitirmiuni sanaugaqtinut. Qaujimajammariutsuni Kanatami ammalu Mialigait nunanganni. Karoo Ashevak sanaugangit takutsautitauqattaqsimajuq Turantumi, Manturiumi ammalu Niu Juak-mi. 1973-mi takutsautitaujuqaqtillugu American Indian Arts-kunni Niu Juak Sity-mi nalunaiqsigutaujummat sanaugaqtiuninganik, ammalu 1994-mi takutsautitsijuqaqtillugu National Gallery-mi Aatuvaami takutsautitsimmat pimmariunginnarninganik sanaugangita iluani ullumisiutiit Kanatami sanaugait. Karoo Ashevak inuujunniilauqsimajuq Uttuupiri 1974 illumik ikittuqaqtillugu arraaguqaqsuni 34-nik

Website Link: https://www.inuitartfoundation.org/profiles/artist/Karoo-Ashevak

Community Detail: reczOtpnDDHFiKalC

Birth Year: 1940

Medium: sculpture

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Barbara Astman

First Name: Barbara

Last Name: Astman

Biography (English): Barbara Astman RCA is one of Canada’s most highly acclaimed artists. Her work has received national and international recognition. Since the 1970s she has explored a wide range of photographic and mixed media. Her work is represented in many museum, corporate, and private collections, in Canada, United States, and Europe. Astman has degrees from the Rochester Institute of Technology, School for American Craftsmen, and Ontario College of Art. Active in the Toronto arts community, Astman has sat on numerous boards and advisory committees. Currently, she is a member of the Board of Trustees at the Art Gallery of Ontario and works as a Professor in the Faculty of Art at the Ontario College of Art & Design. In 2011 she was appointed to the Canadian Curatorial Committee at the AGO. In 1995 the Art Gallery of Hamilton organized a major touring retrospective exhibition, Barbara Astman - Personal/Persona - A 20 Year Survey, curated by Liz Wylie. She is represented by the Corkin Gallery, Toronto. Astman has been commissioned for public art projects beginning in the mid eighties. In 1987 she completed a floor installation for the Calgary Winter Olympics. In 2005 she completed a public art installation for the new Canadian Embassy in Berlin, Germany. Most recently she completed a public art project in Toronto, the Murano on Bay, comprised of 217 windows with photo-based imagery. In 2008 Astman and AGO Assistant Curator Georgiana Uhlyarik collaborated on a curatorial project for the Transformation AGO Exhibition, dealing with Joyce Wieland and early feminist practice. Astman’s photo-based work was included in the AGO exhibition titled: Beautiful Fiction, fall 2009. In May 2011, her recent installation, dancing with che: enter through the gift shop, opened at the Kelowna Art Galley. Her most recent solo exhibition, Daily Collage, opened at the Corkin Gallery in the fall of 2011. © Art Gallery of Hamilton, 1995 Curator: Liz Wylie.

Biography (French): Barbara Astman RCA est l'une des artistes les plus acclamées au Canada. Son travail a reçu une reconnaissance nationale et internationale. Depuis les années 1970, elle explore un large éventail de techniques photographiques et mixtes. Son travail est représenté dans de nombreuses collections muséales, corporatives et privées, au Canada, aux États-Unis et en Europe. Astman est diplômé du Rochester Institute of Technology, de la School for American Craftsmen et de l'Ontario College of Art. Actif dans la communauté artistique de Toronto, Astman a siégé à de nombreux conseils d'administration et comités consultatifs. Actuellement, elle est membre du conseil d'administration du Musée des beaux-arts de l'Ontario et travaille comme professeur à la Faculté des arts de l'Ontario College of Art & Design. En 2011, elle a été nommée au comité de conservation canadien de l'AGO. En 1995, la Art Gallery of Hamilton a organisé une importante exposition rétrospective itinérante, Barbara Astman - Personal/Persona - A 20 Year Survey, organisée par Liz Wylie. Elle est représentée par la Corkin Gallery, Toronto. Astman a reçu des commandes pour des projets d'art public à partir du milieu des années quatre-vingt. En 1987, elle a réalisé une installation au sol pour les Jeux olympiques d'hiver de Calgary. En 2005, elle a réalisé une installation d'art public pour la nouvelle ambassade du Canada à Berlin, en Allemagne. Plus récemment, elle a réalisé un projet d'art public à Toronto, le Murano on Bay, composé de 217 fenêtres avec des images photographiques. En 2008, Astman et Georgiana Uhlyarik, conservatrice adjointe d'AGO, ont collaboré à un projet de commissariat pour l'exposition Transformation AGO, traitant de Joyce Wieland et des premières pratiques féministes. Le travail photographique d'Astman a été inclus dans l'exposition AGO intitulée : Beautiful Fiction, automne 2009. En mai 2011, sa récente installation, danse avec le che : entrez par la boutique de cadeaux, ouvert à la Kelowna Art Galley. Sa plus récente exposition personnelle, Daily Collage, a été inaugurée à la Corkin Gallery à l'automne 2011. © Galerie d'art de Hamilton, 1995 Conservatrice : Liz Wylie.

Social Media Link: https://www.instagram.com/astmanba/

Website Link: http://barbaraastman.com/index.html

Birth Year: 1950

Medium: photography sculpture

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Dick Averns

First Name: Dick

Last Name: Averns

Biography (English): Dick Averns' practice investigates the commodification of space. Language, media convergence and identity politics – major arbiters of spatial control – are explored via sculpture, performativity, text-based works and photography. Pyscho-geography and performance ethnography feature as regular approaches to executing projects, often manifested as public art. As a cross-departmental faculty member at the Alberta College of Art & Design, teaching between liberal studies and studio, Averns has established new curricula for undergraduate programs in sculpture, performance and installation. Complementing his art production, Averns is both a critical and scholarly writer. Mental spaces are addressed on conflicted fronts: the overt and covert. In terms of overt conflict Averns writes on contemporary war art and has presented public lectures, chaired academic conference panels and published articles on this topic. Covert conflict is probed via applied research into mental health disorders. This has included the role of principal investigator for an interdisciplinary project investigating mental health, career choice and achievement in the workplace. Specifically, this work investigates how challenges associated with Tourette Syndrome may be channeled into positive career characteristics. Averns is also a professional panel chair and conference moderator. Dick is represented by the Bjornson Kajiwara Gallery, Vancouver.

Biography (French): La pratique de Dick Averns étudie la marchandisation de l'espace. Langue, convergence des médias et politique identitaire – les principaux arbitres du contrôle spatial – sont explorés à travers la sculpture, la performativité, les œuvres textuelles et la photographie. La psycho-géographie et l'ethnographie de la performance constituent des approches régulières de l'exécution de projets, souvent manifestés sous forme d'art public. En tant que membre du corps professoral interdépartemental de l'Alberta College of Art & Design, enseignant entre les études libérales et le studio, Averns a établi de nouveaux programmes pour les programmes de premier cycle en sculpture, performance et installation. En complément de sa production artistique, Averns est à la fois un écrivain critique et érudit. Les espaces mentaux sont abordés sur des fronts conflictuels : le manifeste et le secret. En ce qui concerne les conflits manifestes, Averns écrit sur l'art de guerre contemporain et a présenté des conférences publiques, présidé des panels de conférences universitaires et publié des articles sur ce sujet. Les conflits secrets sont étudiés via la recherche appliquée sur les troubles de santé mentale. Cela inclut le rôle de chercheur principal pour un projet interdisciplinaire portant sur la santé mentale, le choix de carrière et la réussite en milieu de travail. Plus précisément, ce travail étudie comment les défis associés au syndrome de Tourette peuvent être canalisés vers des caractéristiques de carrière positives. Averns est également président de panel professionnel et modérateur de conférence. Dick est représenté par la galerie Bjornson Kajiwara, à Vancouver.

Birth Year: 1964

Medium: installation photography sculpture text-based

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Pierre Ayot

First Name: Pierre

Last Name: Ayot

Biography (English): Pierre Ayot was a multidisciplinary artist, university professor and the founder of Atelier Libre 848 (1966) (renamed Atelier Graff in 1970), an art centre devoted to printmaking that provides its members with training, expertise and facilities. He also was a founding member of the group Média, gravures et multiples (1969). Ayot was one of the artists attracted to Pop art in Quebec, along with Serge Lemoyne, Edmund Alleyn and COZIC. Ayot's imagery at first drew upon comic strips and media culture, then celebrated everyday objects. He developed silkscreen and photographic collage techniques with elements from graphic design and advertising. He applied Pop art to graphic work, using plastic and photography as in his two and three-dimensional interpretations of a gum machine used real gumballs and a silk-screened machine as well as his versions of a toaster and tape-recorder. He also made sculpture, painting and photography, as well as audio and visual installations. Ayot’s work is in the public art collections of the National Gallery of Canada; the Musée d'art contemporain de Montréal; the Remai Modern; the Winnipeg Art Gallery; and the Tate Gallery, London; among others. The work of Pierre Ayot is represented by the Graff gallery, Montreal.

Biography (French): Pierre Ayot était un artiste multidisciplinaire, professeur d'université et fondateur de l'Atelier Libre 848 (1966) (rebaptisé Atelier Graff en 1970), un centre d'art consacré à la gravure qui offre à ses membres formation, expertise et installations. Il est également membre fondateur du groupe Média, gravures et multiples (1969). Ayot fait partie des artistes attirés par le Pop art au Québec, aux côtés de Serge Lemoyne, Edmund Alleyn et COZIC. L'imagerie d'Ayot s'inspire d'abord de la bande dessinée et de la culture médiatique, puis célèbre les objets du quotidien. Il a développé des techniques de sérigraphie et de collage photographique avec des éléments issus du graphisme et de la publicité. Il a appliqué le Pop art au travail graphique, en utilisant le plastique et la photographie comme dans ses interprétations en deux et trois dimensions d'une machine à gomme utilisant de vraies boules de gomme et une machine sérigraphiée ainsi que ses versions d'un grille-pain et d'un magnétophone. Il a également réalisé des sculptures, des peintures et des photographies, ainsi que des installations audio et visuelles. Le travail d’Ayot fait partie des collections d’art public du Musée des beaux-arts du Canada; le Musée d'art contemporain de Montréal; le Remai Moderne ; la Galerie d'art de Winnipeg; et la Tate Gallery, Londres ; entre autres. Le travail de Pierre Ayot est représenté par la galerie Graff, Montréal.

Birth Year: 1943

Medium: painting photography printmaking sculpture

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Ted Baker

First Name: Ted

Last Name: Baker

Biography (English): Ted Baker was born in 1966 and grew up on the North Shore near Capilano River. He is a member of the Squamish Nation and started carving when he was 14 years old. His first teacher was his father Albert Baker and his brother Fred Baker Jr. Ted family mainly carved masks, smaller totem poles, rattles, and figurines. He likes to use the wood of cedar, red and yellow cedar. He is a member of the Ceremonial Dance Group, which performs just for the members of the band. They keep these dances close to their heart and hold them sacred. In these dances, Ted represents the Sasquatch.

Biography (French): Ted Baker est né en 1966 et a grandi sur la Côte-Nord, près de la rivière Capilano. Il est membre de la nation Squamish et a commencé à sculpter à l'âge de 14 ans. Son premier professeur fut son père Albert Baker et son frère Fred Baker Jr. La famille Ted sculptait principalement des masques, des totems plus petits, des hochets et des figurines. Il aime utiliser le bois de cèdre, de cèdre rouge et jaune. Il est membre du Ceremonial Dance Group, qui se produit uniquement pour les membres du groupe. Ils gardent ces danses près de leur cœur et les tiennent pour sacrées. Dans ces danses, Ted représente le Sasquatch.

Birth Year: 1966

Medium: sculpture

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Louis Bakó

First Name: Louis

Last Name: Bakó

Biography (English): Following the Hungarian Revolution Louis' family emigrated to Canada. He graduated from the School of Fine Art at the University of Manitoba in 1966, after which he worked as a set designer for the Manitoba Theatre Centre and the National Film Board. He eventually became a city planner but has continued to practice visual art in his studio. The CCCA Winnipeg Artists Project was generously supported by the Winnipeg Foundation.

Biography (French): Après la révolution hongroise, la famille de Louis a émigré au Canada. Il est diplômé de l'École des beaux-arts de l'Université du Manitoba en 1966, après quoi il a travaillé comme scénographe pour le Manitoba Theatre Centre et l'Office national du film. Il est finalement devenu urbaniste mais a continué à pratiquer les arts visuels dans son atelier. Le CCCA Winnipeg Artists Project a été généreusement soutenu par la Winnipeg Foundation.

Birth Year: 1943

Medium: painting sculpture

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Iain BAXTER&

First Name: Iain

Last Name: BAXTER&

Biography (English): IAIN BAXTER& RCA is a Canadian conceptual artist. BAXTER& is recognized internationally as an early practitioner of conceptual art. BAXTER& was co-president with Ingrid Baxter of the conceptual project and legally incorporated business N.E. Thing Co., founded in 1966. BAXTER& is Professor Emeritus at the School of Visual Arts University of Windsor and a member of the Royal Canadian Academy of Arts.

Biography (French): IAIN BAXTER& ARC est un artiste conceptuel canadien. BAXTER& est reconnu internationalement comme l’un des premiers praticiens de l’art conceptuel. BAXTER& a été co-président avec Ingrid Baxter du projet conceptuel et de l'entreprise légalement constituée N.E. Thing Co., fondée en 1966. BAXTER& est professeur émérite à l'École des arts visuels de l'Université de Windsor et membre de l'Académie royale des arts du Canada.

Birth Year: 1936

Medium: conceptual earthwork installation painting photography sculpture text-based video

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