CCCA Canadian Art Database

Medium: textiles

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Barry Ace

First Name: Barry

Last Name: Ace

Biography (English): Barry Ace is a practicing multidisciplinary artist currently living in Ottawa. He is a debendaagzijig (citizen) of M’Chigeeng First Nation, Odawa Mnis (Manitoulin Island), Ontario, Canada. Ace’s work responds to the impact of the digital age and how it exponentially transforms and infuses Anishinaabeg culture (and other global cultures) with new technologies and new ways of communicating. His work attempts to harness and bridge the precipice between historical and contemporary knowledge, art, and power, while maintaining a distinct Anishinaabeg aesthetic connecting generations. “My visual art practice is a response to the impact of the digital age and how it exponentially transforms and infuses Anishinaabeg culture with new technologies and new ways of communicating. My work is known for its signature style of transformation and recontextualization of traditional objects drawn from historic Anishinaabeg material culture, such as textiles. I deliberately push the boundaries of cultural art practices such as beadwork by transforming antiquated electronic e-waste, primarily capacitors, resistors, and light-emitting diodes to create new and complex floral motifs that mirror traditional Anishinaabeg style glass beadwork. Through an up-cycling of e-waste, I carefully yet respectfully negotiate the tenuous line of cultural continuity and strive to maintain a distinct Anishinaabeg aesthetic as an intentional response to the advance of technological colonization of the digital age.”

Biography (French): Barry Ace est un artiste photographique et multimédia et conservateur anishinaabe (Odawa). Le travail d'Ace comprend des peintures en techniques mixtes et des œuvres textiles et sculpturales en techniques mixtes qui combinent des textiles et des perles traditionnels Anishinaabe avec des composants électriques trouvés. Ace a un vif intérêt pour la combinaison des technologies, de l'esthétique et des techniques traditionnelles et contemporaines dans ses œuvres. Barry Ace a d'abord étudié pour devenir électricien au Cambrian College, mais s'est tourné vers les arts graphiques. Les connaissances de base d'Ace en électricité ont cependant joué plus tard un rôle dans ses œuvres en techniques mixtes comprenant des composants électriques. Ace a enseigné à l'Université de Sudbury dans le cadre du programme d'études autochtones, ainsi qu'à l'Université Laurentienne et à l'Université Carleton en études canadiennes. En 2015, il a donné un atelier à la Galerie d'art d'Ottawa où les participants ont réalisé une carte collective en techniques mixtes de la ville d'Ottawa. Il a également dirigé un atelier pour les enfants d'une école d'immersion ojibwe à l'automne 2016, où les œuvres d'art produites par les enfants ont ensuite été exposées à la Fondation culturelle ojibwe. Ace participe à la résidence d'artiste invité Nigig organisée par le programme de culture visuelle autochtone de l'Université OCAD à l'hiver 2018. Une grande partie du travail de Barry Ace utilise des matériaux trouvés comme des condensateurs, des résistances et des diodes électroluminescentes, ainsi que des perles florales traditionnelles de style Grands Lacs, pour commenter « l'endurance culturelle non découragée par des siècles d'oppression coloniale et de changement social rapide ». Dans toutes ses créations, l’artiste souligne l’importance d’affirmer son identité et sa culture et de s’approprier l’imagerie et la représentation autochtones. Le travail d'Ace explore la relation entre les techniques et traditions historiques et les matériaux et sujets contemporains. En faisant référence à l'histoire de l'art textile anishinaabe dans des œuvres qui utilisent des matériaux contemporains produits en masse, entre autres thèmes, Ace étudie le dialogue entre les cultures autochtones et européennes, tout comme le font ses collègues artistes Rosalie Favell et Jeff Thomas. Un exemple en est l’histoire de l’utilisation de perles de verre provenant de commerçants européens dans le perlage autochtone à laquelle Ace fait référence dans ses pièces textiles. Certaines œuvres d'Ace explorent l'esthétique particulière de la technologie et de la culture populaire dans l'art autochtone, quelque chose que sa collègue artiste Rosalie Favell intègre également dans son travail.

Social Media Link: https://www.youtube.com/barryacearts

Website Link: https://www.barryacearts.com/

Birth Year: 1958

Medium: ceramics fibre installation mixed media painting performance public art textiles

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Gisele Amantea

First Name: Gisele

Last Name: Amantea

Biography (English): Gisele Amantea lives in Montreal where she taught in the Studio Arts program at Concordia University from 1995 to 2012. Amantea's work is known for its interdisciplinary focus and innovative use of a variety of materials, formats and processes to explore questions related to gender, class, nostalgia, history, memory and the relationship of private and public space. Media in which she has made work ranges from sculpture, drawing, wallpaper and textiles to video and bookworks. At the same time, her practice has had a strong research base in the sense that work is often made in response to, provoked or generated by a specific context or place, and depends, to some extent, on research undertaken in these locations. This includes making on-site observations, visiting official repositories of history such as archives, museums and libraries and unofficial and vernacular collections such as those found in junk stores, popular media locations and private residences.

Biography (French): Gisèle Amantea vit à Montréal où elle a enseigné au programme Studio Arts de l'Université Concordia de 1995 à 2012. Le travail d'Amantea est connu pour son orientation interdisciplinaire et son utilisation innovante d'une variété de matériaux, de formats et de processus pour explorer les questions liées au genre, à la classe sociale, à la nostalgie, à l'histoire, à la mémoire et à la relation entre l'espace privé et public. Les médias dans lesquels elle a travaillé vont de la sculpture, du dessin, du papier peint et des textiles à la vidéo et aux livres. Dans le même temps, sa pratique repose sur une solide base de recherche dans le sens où le travail est souvent réalisé en réponse, provoqué ou généré par un contexte ou un lieu spécifique, et dépend, dans une certaine mesure, des recherches entreprises dans ces lieux. Cela implique de faire des observations sur place, de visiter des dépôts historiques officiels tels que des archives, des musées et des bibliothèques, ainsi que des collections non officielles et vernaculaires telles que celles trouvées dans des brocantes, des lieux médiatiques populaires et des résidences privées.

Website Link: https://giseleamantea.ca/

Birth Year: 1953

Medium: bookwork drawing installation sculpture text-based textiles video

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Jennifer Angus

First Name: Jennifer

Last Name: Angus

Biography (English): Jennifer Angus is a professor in the Design Studies Department at the University of Wisconsin -Madison where she teaches textile design, specifically, everything to do with the dyeing and printing of cloth, including natural dyes. She is an artist described by Art Daily as “one of the top contemporary installation artists in the country.” Jennifer creates some of the most provocative work most people have ever seen in an art museum setting. She composes patterns using hundreds of insects, placing them in arrangements that suggest wallpaper and textiles. Angus was one of nine leading contemporary artists selected for the landmark exhibition Wonder at the Smithsonian’s Renwick Gallery in 2015. Jennifer has been the recipient of numerous awards including Canada Council, Ontario Arts Council and Wisconsin Arts Board grants. More recently she received the inaugural Forward Art Prize, an unrestricted award for outstanding women artists of Wisconsin. At the University of Wisconsin-Madison she has received annual grants from the Graduate School, as well as the Vilas Associate Award, the Emily Mead Baldwin-Bascom Professorship in the Creative Arts, the Romnes Fellowship, the UW Arts Institute Creative Arts Award, Rothermel Bascom Professorship, the Kellett Mid-Career Faculty Researcher Award and most recently the Edna Wiechers Arts in Wisconsin Award. In 2013, Albert Whitman and Company, Chicago, published her first novel, In Search of Goliathus Hercules. At the University of Wisconsin – Madison she is the faculty leader of the Global Artisans Initiative which launched an interdisciplinary outreach program that connects students with artisans who have requested assistance with microenterprise development. The program leverages the relationships that University of Wisconsin has built over many years at global health field course sites in Ecuador, India, Kenya Mexico, Nepal and Vietnam to create a product design and marketplace system to support the economic wellbeing of local artisans.

Biography (French): Jennifer Angus est professeur au département d'études de design de l'Université du Wisconsin-Madison, où elle enseigne le design textile, en particulier tout ce qui a trait à la teinture et à l'impression de tissus, y compris les colorants naturels. Elle est une artiste décrite par Art Daily comme « l’une des meilleures artistes d’installations contemporaines du pays ». Jennifer crée certaines des œuvres les plus provocatrices que la plupart des gens aient jamais vues dans un musée d'art. Elle compose des motifs à partir de centaines d'insectes, les plaçant dans des arrangements évoquant du papier peint et des textiles. Angus était l'un des neuf artistes contemporains de premier plan sélectionnés pour l'exposition phare Wonder à la Renwick Gallery du Smithsonian en 2015. Jennifer a reçu de nombreux prix, notamment des subventions du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts de l'Ontario et du Wisconsin Arts Board. Plus récemment, elle a reçu le premier Forward Art Prize, un prix sans restriction récompensant des femmes artistes exceptionnelles du Wisconsin. À l'Université du Wisconsin-Madison, elle a reçu des bourses annuelles de la Graduate School, ainsi que le Vilas Associate Award, la chaire Emily Mead Baldwin-Bascom en arts créatifs, la Romnes Fellowship, le UW Arts Institute Creative Arts Award, Rothermel Bascom Professorship, le Kellett Mid-Career Faculté Researcher Award et plus récemment le Edna Wiechers Arts in Wisconsin Award. En 2013, Albert Whitman and Company, Chicago, a publié son premier roman, In Search of Goliathus Hercules. À l'Université du Wisconsin – Madison, elle est directrice pédagogique de la Global Artisans Initiative, qui a lancé un programme de sensibilisation interdisciplinaire qui met en relation les étudiants avec des artisans qui ont demandé de l'aide pour le développement de microentreprises. Le programme s'appuie sur les relations que l'Université du Wisconsin a bâties au fil de nombreuses années sur des sites de cours de santé mondiale en Équateur, en Inde, au Kenya, au Mexique, au Népal et au Vietnam pour créer un système de conception de produits et de marché visant à soutenir le bien-être économique des artisans locaux.

Social Media Link: https://www.instagram.com/insectgurl/

Additional Social Media Link: https://www.facebook.com/jenniferangusartist/

Website Link: https://www.jenniferangus.com/

Birth Year: 1961

Medium: fibre installation sculpture textiles

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Ann Beam

First Name: Ann

Last Name: Beam

Biography (English): Ann Beam is a multimedia artist based in M'Chigeeng First Nation, Manitoulin Island. Born Ann Elena Weatherby in 1944 in Brooklyn, New York, she is the spouse of artist Carl Beam. She has a BFA from State University of New York at Buffalo. She taught at the Art Gallery of Ontario in the late 1960s and 1970s and later managed the Neon Raven Art Gallery on Manitoulin Island. Themes covered in her art have been described as "cultural histories of women's labour in building homes, in motherhood, cooking and teaching." She has worked with various mediums, including oil and acrylic, found art, recycled materials, pottery, paper and cloth.

Biography (French): Ann Beam est une artiste multimédia basée dans la Première Nation M'Chigeeng, sur l'île Manitoulin. Née Ann Elena Weatherby en 1944 à Brooklyn, New York, elle est l'épouse de l'artiste Carl Beam. Elle est titulaire d'un BFA de l'Université d'État de New York à Buffalo. Elle a enseigné au Musée des beaux-arts de l'Ontario à la fin des années 1960 et dans les années 1970 et a ensuite dirigé la Neon Raven Art Gallery sur l'île Manitoulin. Les thèmes abordés dans son art ont été décrits comme « des histoires culturelles du travail des femmes dans la construction de maisons, dans la maternité, la cuisine et l'enseignement ». Elle a travaillé avec divers médiums, notamment l'huile et l'acrylique, l'art trouvé, les matériaux recyclés, la poterie, le papier et le tissu.

Website Link: https://beamartprojects.com/

Birth Year: 1944

Medium: ceramics mixed media painting textiles

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Anouk Desloges

First Name: Anouk

Last Name: Desloges

Biography (English): Highly crafted and distinctly mysterious, Anouk Desloges' embroidery practice explores the representation of abstract concepts; she attempts to illustrate what doesn’t exist in a physical form. The interpretations become intimate and filled with imagination, at once vulnerable, fragile and precious. The embroidery is removed from its traditional support to adorn plastic and metal. Being trained as a sculptor, Anouk juxtaposes the materials and techniques to create an illusion of depth and to reconsider the definition of two and three-dimensional compositions. At the end, the pieces present symbolic allegories and literary allusions according to developed themes in collaboration with participants or from autobiographical inspirations. Ms. Desloges has received a BFA from Université Laval (Québec City) and a Diploma in Sculpture from the Maison des Métiers d’Art de Québec where her work was awarded first honours. Since then, she has been awarded a number of prizes and fellowships. She has exhibited in Canada, France and Guatemala and her work can be found in various public and private collections across Canada. She now lives in Toronto since she was accepted into Harbourfront Centre Artist-in-Residence programme in 2013.

Biography (French): Highly crafted and distinctly mysterious, Anouk Desloges' embroidery practice explores the representation of abstract concepts; she attempts to illustrate what doesn’t exist in a physical form. The interpretations become intimate and filled with imagination, at once vulnerable, fragile and precious. The embroidery is removed from its traditional support to adorn plastic and metal. Being trained as a sculptor, Anouk juxtaposes the materials and techniques to create an illusion of depth and to reconsider the definition of two and three-dimensional compositions. At the end, the pieces present symbolic allegories and literary allusions according to developed themes in collaboration with participants or from autobiographical inspirations. Ms. Desloges has received a BFA from Université Laval (Québec City) and a Diploma in Sculpture from the Maison des Métiers d’Art de Québec where her work was awarded first honours. Since then, she has been awarded a number of prizes and fellowships. She has exhibited in Canada, France and Guatemala and her work can be found in various public and private collections across Canada. She now lives in Toronto since she was accepted into Harbourfront Centre Artist-in-Residence programme in 2013.

Social Media Link: https://www.instagram.com/anoukdesloges/

Website Link: https://www.anoukdesloges.com/

Birth Year: 1980

Medium: textiles

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Bonnie Devine

First Name: Bonnie

Last Name: Devine

Biography (English): Bonnie Devine is a Serpent River Ojibwa installation artist, performance artist, sculptor, curator, and writer from Serpent River First Nation. She is currently an associate professor at OCAD University and the founding chair of its Indigenous Visual Cultural Program. As a conceptual artist, Devine works with a variety of media, often combining traditional and unconventional materials. At a 2007 solo exhibition, Medicine River, at the Axéneo 7 art space in Quebec, she created eight-foot long knitting needles and knitted 250 feet of copper cable to bring attention to the contamination of the Kashechewan water system. She has fashioned full-sized canoes from paper and works with natural materials such as reeds in her 2009 piece, New Earth Braid. She also created land-based installations. Devine's work has been exhibited in solo and group exhibitions in Canada, the U.S., South America, Russia and Europe. Her 2010 solo exhibition, Writing Home, curated by Faye Heavyshield, was reviewed in Border Crossings. A solo exhibition of Devine's work, Bonnie Devine: The Tecumseh Papers was held at the Art Gallery of Windsor from September 27, 2013, to January 5, 2014. Her work is featured in the Art Gallery of Ontario's exhibition Before and after the Horizon: Anishinaabe Artists of the Great Lakes. Devine has received numerous awards, including 2002 Best Experimental Video at the imagineNATIVE Film + Media Arts Festival, the Toronto Arts Awards Visual Arts Protégé Award in 2001, the Curry Award from the Ontario Society of Artists in 1999, a variety of awards from the Ontario College of Art and Design, as well as many grants and scholarships. She has been chosen for the 2011 Eiteljorg Museum fellowship. She received a Governor General's Award in Visual and Media Arts in 2021.

Biography (French): Bonnie Devine est une artiste d'installation, une artiste de performance, une sculptrice, une conservatrice et une écrivaine Ojibwa de Serpent River de la Première Nation de Serpent River. Elle est actuellement professeure agrégée à l’Université OCAD et présidente fondatrice de son programme de culture visuelle autochtone. En tant qu'artiste conceptuel, Devine travaille avec une variété de médias, combinant souvent des matériaux traditionnels et non conventionnels. Lors d'une exposition personnelle en 2007, Medicine River, à l'espace d'art Axéneo 7 à Québec, elle a créé des aiguilles à tricoter de huit pieds de long et tricoté 250 pieds de câble de cuivre pour attirer l'attention sur la contamination du système d'eau de Kashechewan. Elle a façonné des canoës grandeur nature en papier et travaille avec des matériaux naturels tels que des roseaux dans sa pièce de 2009, New Earth Braid. Elle a également créé des installations terrestres. Le travail de Devine a été exposé dans des expositions individuelles et collectives au Canada, aux États-Unis, en Amérique du Sud, en Russie et en Europe. Son exposition personnelle de 2010, Writing Home, organisée par Faye Heavyshield, a été revue dans Border Crossings. Une exposition personnelle du travail de Devine, Bonnie Devine : The Tecumseh Papers, s'est tenue à la Art Gallery of Windsor du 27 septembre 2013 au 5 janvier 2014. Son travail est présenté dans l'exposition du Musée des beaux-arts de l'Ontario Avant et après l'Horizon : Artistes Anishinaabe des Grands Lacs. Devine a reçu de nombreux prix, dont celui de la meilleure vidéo expérimentale en 2002 au festival imagineNATIVE Film + Media Arts, le Toronto Arts Awards Visual Arts Protégé Award en 2001, le Curry Award de la Société des artistes de l'Ontario en 1999, une variété de prix de l'Ontario College of Art and Design, ainsi que de nombreuses subventions et bourses. Elle a été choisie pour la bourse 2011 du Musée Eiteljorg. Elle a reçu un Prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques en 2021.

Social Media Link: https://www.instagram.com/bonniedevine_art/

Birth Year: 1952

Medium: conceptual fibre installation sculpture textiles

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Pam Hall

First Name: Pam

Last Name: Hall

Biography (English): Pam Hall is a visual artist, author, filmmaker and scholar whose work has been exhibited across Canada and internationally, and is represented in many corporate, private and public collections, including the National Gallery of Canada. Her practice is interdisciplinary, including installation, drawing, object-making, print-making, photography, film, writing and community- engaged practice and performance. Her work is often collaborative and for more than a decade Hall has undertaken socially-engaged projects with communities in locations distant from the pristine space of the gallery, the studio and the museum. She has won awards for her work as a filmmaker, an author, an artist, a children’s book illustrator and was the first recipient of the Director’s Guild of Canada Award for Outstanding Achievement in Production Design. She was inducted into the Royal Academy of the Arts (RCA) in 1992 and taught graduate students for sixteen years in the MFA in Interdisciplinary Arts Program at Goddard College in Vermont. Hall’s work has been supported by Arts NL, the City of St. John’s, the Canada Council for the Arts, the Social Sciences and Humanities Research Council (SSHRC), Memorial University and the Shorefast Foundation. She has lived and worked in St. John’s for more than forty-five years. Books Re-writing the Body: Towards the Reading Room, 2003–2007 Towards an Encyclopedia of Local Knowledge, 2010–present

Biography (French): Pam Hall est une artiste visuelle, auteure, cinéaste et universitaire dont le travail a été exposé partout au Canada et à l'étranger et est représenté dans de nombreuses collections corporatives, privées et publiques, dont celle du Musée des beaux-arts du Canada. Sa pratique est interdisciplinaire et comprend l'installation, le dessin, la création d'objets, la gravure, la photographie, le cinéma, l'écriture ainsi que la pratique et la performance engagées dans la communauté. Son travail est souvent collaboratif et depuis plus d'une décennie, Hall a entrepris des projets socialement engagés avec des communautés situées dans des lieux éloignés de l'espace vierge de la galerie, du studio et du musée. Elle a remporté des prix pour son travail de cinéaste, d’auteure, d’artiste et d’illustratrice de livres pour enfants et a été la première récipiendaire du Prix de la Guilde canadienne des réalisateurs pour ses réalisations exceptionnelles en conception de production. Elle a été intronisée à la Royal Academy of the Arts (RCA) en 1992 et a enseigné pendant seize ans à des étudiants diplômés dans le cadre du programme de maîtrise en arts interdisciplinaires du Goddard College du Vermont. Le travail de Hall a été soutenu par Arts NL, la Ville de St. John’s, le Conseil des Arts du Canada, le Conseil de recherches en sciences humaines (CRSH), l’Université Memorial et la Fondation Shorefast. Elle vit et travaille à St. John’s depuis plus de quarante-cinq ans. Livres Réécrire le corps : vers la salle de lecture, 2003-2007 Vers une encyclopédie des savoirs locaux, 2010-présent

Social Media Link: https://www.instagram.com/pamhallphd/

Website Link: https://pamhall.ca/

Birth Year: 1951

Medium: film installation sculpture text-based textiles

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Tim Jocelyn

First Name: Tim

Last Name: Jocelyn

Biography (English): Tim Jocelyn was a central figure in the art scene that exploded around Toronto’s Queen Street West in the early 1980s. He first emerged as an innovative designer of clothing and fashion accessories, for which he found an enthusiastic market in New York and Toronto. But his work was always informed by an artistic sensibility and, without completely abandoning wearable art, he increasingly moved his exuberant vision into other areas of the cutting-edge art world. At the time of Jocelyn’s death from AIDS, in 1986, he was breaking new ground with what was to be his final work, a large-scale installation commissioned for Vancouver’s Expo 86. A survey of his life and work is overdue, and the gap is filled nicely by The Art of Tim Jocelyn. The book is anchored by a trio of essays that locate Jocelyn’s oeuvre in its social context of artistic ferment and pre-AIDS gay culture. The many colour plates show the influence of Matisse’s papercuts and Russian constructivism, as well as the neoprimitivism that defined urban style 20 years ago. The geometric shapes and dancing figures that populate much of Jocelyn’s work sometimes feel rather dated, which makes one wish he’d had the chance to prolong his Icarus-like career into the present day.

Biography (French): Tim Jocelyn était une figure centrale de la scène artistique qui a explosé autour de Queen Street West à Toronto au début des années 1980. Il s'est d'abord imposé comme un créateur innovant de vêtements et d'accessoires de mode, pour lesquels il a trouvé un marché enthousiaste à New York et à Toronto. Mais son travail a toujours été influencé par une sensibilité artistique et, sans abandonner complètement l’art portable, il a de plus en plus déplacé sa vision exubérante vers d’autres domaines du monde de l’art de pointe. Au moment de sa mort à cause du sida, en 1986, Jocelyn innovait avec ce qui allait être sa dernière œuvre, une installation à grande échelle commandée pour l’Expo 86 de Vancouver. Une étude de sa vie et de son œuvre est attendue depuis longtemps, et cette lacune est joliment comblée par The Art of Tim Jocelyn. Le livre s’appuie sur un trio d’essais qui situent l’œuvre de Jocelyn dans son contexte social de bouillonnement artistique et de culture gay pré-SIDA. Les nombreuses planches en couleurs montrent l’influence des papiers découpés de Matisse et du constructivisme russe, ainsi que du néoprimitivisme qui définissait le style urbain il y a 20 ans. Les formes géométriques et les figures dansantes qui peuplent une grande partie du travail de Jocelyn semblent parfois plutôt démodées, ce qui donne envie qu’il ait la chance de prolonger sa carrière semblable à celle d’Icare jusqu’à nos jours.

Birth Year: 1952

Medium: fibre performance printmaking textiles

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Laura Letinsky

First Name: Laura

Last Name: Letinsky

Biography (English): Laura L. Letinsky is an artist and a professor in the Department of Visual Arts at the University of Chicago. Letinsky’s works contend with what and how a photograph “means” while engaging and challenging the notions of domesticity, gender, and consumption. She was included in the 2019 PHotoEspaña and is a Guggenheim fellow. Letinsky received her BFA from the University of Manitoba in 1986 and MFA from Yale School of Art in 1991. She was awarded the Guggenheim Fellowship in 2000 and the Anonymous Was a Woman fellowship in 2001. She is currently a professor of visual arts at the University of Chicago. Letinsky stopped photographing for a year in 2009, opting to work in ceramics, textiles, and words. This turn to more material practice was related to her questions related to the photograph as image and as object. Returning to photography in 2010, she began work on another still-life series, Ill Form and Void Full. In this work, she sought to try to “restructure the desire [photography] engenders” by making overt that pictures beget other pictures, i.e. images inform subsequent images. In 2019, Letinsky debuted her series, To Want For Nothing, in Chicago. These images marked a transition away from her domestic table settings and instead, using magazine and advertisement cutouts she creates composite images that explore form as it impacts narrative, and the unrelenting and overwhelming behemoth that is our image culture. Her work is included in the collection of the Getty Museum, the Winnipeg Art Gallery, the Museum of Contemporary Art, Chicago, and the Art Institute of Chicago.

Biography (French): Laura L. Letinsky est artiste et professeur au Département des arts visuels de l'Université de Chicago. Les œuvres de Letinsky s’interrogent sur ce que « signifie » une photographie et comment, tout en engageant et en remettant en question les notions de domesticité, de genre et de consommation. Elle a été incluse dans le PHotoEspaña 2019 et est membre du Guggenheim. Letinsky a obtenu son baccalauréat en beaux-arts de l'Université du Manitoba en 1986 et sa maîtrise en beaux-arts de la Yale School of Art en 1991. Elle a reçu la bourse Guggenheim en 2000 et la bourse Anonymous Was a Woman en 2001. Elle est actuellement professeur d'arts visuels à l'Université. de Chicago. Letinsky a arrêté de photographier pendant un an en 2009, choisissant de travailler la céramique, les textiles et les mots. Ce tournant vers une pratique plus matérielle est lié à ses questions liées à la photographie comme image et comme objet. De retour à la photographie en 2010, elle commence à travailler sur une autre série de natures mortes, Ill Form et Void Full. Dans ce travail, elle a cherché à tenter de « restructurer le désir que [la photographie] engendre » en révélant que les images engendrent d’autres images, c’est-à-dire que les images informent les images ultérieures. En 2019, Letinsky a lancé sa série To Want For Nothing à Chicago. Ces images ont marqué une transition par rapport à ses tables domestiques et, à la place, à l'aide de découpes de magazines et de publicités, elle crée des images composites qui explorent la forme dans son impact sur la narration et le monstre implacable et écrasant qu'est notre culture de l'image. Son travail fait partie de la collection du Getty Museum, de la Winnipeg Art Gallery, du Museum of Contemporary Art de Chicago et de l'Art Institute of Chicago.

Social Media Link: https://www.instagram.com/lthrice/

Website Link: https://lauraletinsky.com/

Birth Year: 1962

Medium: ceramics photography text-based textiles

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Janet Logan

First Name: Janet

Last Name: Logan

Biography (English): Janet Logan holds diplomas from the School of Art and Design of the Montreal Museum of Fine Arts, from the National Theatre School of Canada, and a BFA from Concordia University and a MFA from Université du Québec à Montréal. She has had solo and group exhibitions in North America and in Europe, in places as varied as the Musée National des Beaux-Arts du Québec, the Grand Palais, Paris, France, the Museo de Arte Contemporaneo de Monterrey, Monterrey, Mexico and Galerie Sans Nom, Moncton, New Brunswick. An active member of Centre dáexposition Circa, Janet Logan also works as a translator.

Biography (French): Janet Logan est diplômée de l'École d'art et de design du Musée des beaux-arts de Montréal, de l'École nationale de théâtre du Canada, ainsi que d'un baccalauréat en beaux-arts de l'Université Concordia et d'une maîtrise en beaux-arts de l'Université du Québec à Montréal. Elle a présenté des expositions individuelles et collectives en Amérique du Nord et en Europe, dans des lieux aussi variés que le Musée National des Beaux-Arts du Québec, le Grand Palais, Paris, France, le Museo de Arte Contemporaneo de Monterrey, Monterrey, Mexique et la Galerie Sans Nom, Moncton, Nouveau-Brunswick. Membre active du Centre d'exposition Circa, Janet Logan travaille également comme traductrice.

Birth Year: 1944

Medium: collage painting textiles

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